This page has been robot translated, sorry for typos if any. Original content here.

50 chefs-d'oeuvre de la peinture que toute personne éduquée doit connaître

50 шедевров живописи

Art (de l'art glorieux de l'église, art. Art glorieux - expérience, test) - compréhension figurative de la réalité; le processus ou le résultat de l'expression de l'intérieur ou de l'extérieur (par rapport au créateur) du monde dans une image artistique; la créativité, dirigée de manière à refléter l'intérêt non seulement de l'auteur, mais aussi des autres. L'art (avec la science) est l'une des voies de la connaissance, tant dans les sciences naturelles que dans l'image religieuse de la perception du monde.

L'art était autrefois un privilège des élites, mais aujourd'hui tout le monde peut visiter un musée ou une philharmonie pour apprécier les grandes œuvres du passé. Une personne moderne qui veut être considérée comme éduquée devrait être au moins un peu avisée en la matière et pouvoir distinguer Manet de Monet, par exemple.

Personne ne dit qu’il est nécessaire de se familiariser avec toutes les œuvres des auteurs, considérées à juste titre comme excellentes, mais il est utile de connaître les œuvres les plus significatives. Au minimum, cela est très utile pour le développement global. Nous avons donc décidé de rassembler les peintures les plus célèbres jamais écrites par l'homme.

Le concept d'art est extrêmement large - il peut se manifester comme une compétence extrêmement développée dans un domaine particulier. Pendant longtemps, l’art a été considéré comme un type d’activité culturelle qui satisfait l’amour des personnes pour le beau. Parallèlement à l'évolution des normes et des évaluations esthétiques sociales, l'art a le droit d'appeler toute activité visant à créer des formes esthétiquement expressives.

Léonard de Vinci, Mona Lisa

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза»

Leonardo di ser Piero da Vinci (Italien: Leonardo di ser Piero da Vinci; 15 avril 1452, village d'Ankiano, près de la ville de Vinci, près de Florence - 2 mai 1519, Château de Luce, près d'Amboise, Touraine, France) - artiste italien ( peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, musicien, l’un des plus grands représentants de l’art de la Haute Renaissance, exemple frappant de «l’homme universel» (lat. homo universalis).

“Mona Lisa” ou “Mona Lisa” (italien: Mona Lisa, La Gioconda, nom complet - “Portrait de Madame Lisa del Giocondo”, italien. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - peinture de Léonard de Vinci, l'un des plus célèbres tableaux . La date exacte d'écriture est inconnue (selon certaines sources, elle aurait été écrite entre 1503 et 1505). Maintenant stocké au Louvre. On pense que la peinture représente Lisa Gerardini, la femme du marchand de soie florentine Francesco del Giocondo.

Rafael Santi, La Madone Sixtine

Рафаэль Санти, «Сикстинская Мадонна»

Rafael Santi (italien: Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 26 ou 28 mars ou 6 avril 1483, Urbino - 6 avril 1520, Rome) - peintre, graphiste et architecte italien, représentant de l'école d'Ombrie.

"La Madone Sixtine" (en italien: Madonna Sistina) - un tableau de Raphaël présenté depuis 1754 à la Galerie des maîtres anciens de Dresde. Appartient au nombre de sommets universellement reconnus de la Haute Renaissance.

Jérôme Bosch, «Jardin des délices»

Иероним Босх, «Сад земных наслаждений»

Jeroen Antonison van Aken (néerlandais. Jeroen Anthoniszoon van Aken [jəˈrun nˈtoːnɪˌson vn ˈaːkə (n)]), plus connu sous le nom de Jerome Bosch (néerlandais. Jheronimus Bosch [ijeˈroːnimʏs ˈbɔsnim.] artiste, l'un des plus grands maîtres de la Renaissance nordique. Une dizaine de peintures et douze dessins ont survécu du travail de l’artiste. Il a été ordonné membre de la Fraternité Notre-Dame (néerlandais. Illustre Lieve Vrouwe Broederschap; 1486); considéré comme l'un des peintres les plus mystérieux de l'histoire de l'art occidental. Dans la ville natale de Bosch, le hertogenbosch néerlandais, le centre de créativité de Bosch a été ouvert, qui présente des copies de toutes ses œuvres.

«Jardin des délices» - le plus célèbre triptyque de Jérôme Bosch, nommé d'après le thème de la partie centrale, est dédié au péché de la volupté - Luxuria. Le titre original de cette œuvre de Bosch n’est pas connu avec certitude. Les chercheurs ont qualifié le «jardin des délices» un triptyque. En général, aucune des interprétations de l'image disponible aujourd'hui n'est reconnue comme la seule vraie. La plupart des théories sur la signification de l'image ont été développées au 20ème siècle.

Diego Velazquez, Menin

Диего Веласкес, «Менины»

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (espagnol: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; 6 juin 1599, Séville, royaume de Castille-et-León - 6 août 1660, Madrid, Espagne) - Artiste espagnol, le plus grand représentant de l'école madrilène de l'âge d'or de la peinture espagnole peintre de la cour du roi Philippe IV. Esteban Murillo et Juan de Pareja font partie de ses élèves. La seule déclaration de l'artiste qui ait été préservée est la suivante: «Je préfère être le meilleur à l'image de la laideur, et non le second à l'image de la beauté."

"Menin" (Espagnole Las Meninas - "demoiselles d'honneur"), ou "Famille de Philippe IV" - un tableau de Diego Velazquez, écrit en 1656. Un des tableaux les plus célèbres au monde, conservé au musée du Prado.

La toile représente une scène dans laquelle Velazquez a peint un portrait commun du roi d'Espagne Philippe IV avec son épouse et sa nièce Marianne d'Autriche, en présence de leur fille Infanta Margarita Teresa et de sa suite. La composition complexe et mystérieuse de la photo soulève des questions sur l’illusion et la réalité, ainsi que sur l’incertitude du lien entre le spectateur et les personnages.

"Menin" est universellement reconnu comme l'une des peintures les plus importantes et les plus étudiées de l'histoire de l'art occidental. Selon le maître baroque italien Luke Giordano, il s'agit d'une "théologie de la peinture", et le président de l'Académie royale des arts, Sir Thomas Lawrence, l'a qualifiée de "véritable philosophie de l'art". Selon l'une des estimations modernes, il s'agit «de la plus haute réalisation de Velazquez: une démonstration consciente et soigneusement vérifiée des limites de la peinture; peut-être la déclaration la plus profonde sur ses possibilités jamais fait. "

Eugene Delacroix, «La liberté guidant le peuple»

Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ»

Ferdinan Victor Eugene Delacroix (Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) - Peintre et graphiste français, leader du courant romantique dans la peinture européenne.

«La liberté menant le peuple» ou «La liberté aux barricades» est un tableau de l'artiste français Eugène Delacroix. Il est considéré comme l'un des jalons clés entre les Lumières et le romantisme.

Mikhail Vrubel, "Le démon assis"

Михаил Врубель, «Демон сидящий»

Mikhail Alexandrovich Vrubel (5 mars 1856, Omsk, région du Kirghizistan de Sibérie, Empire russe - 1er avril 1910, Saint-Pétersbourg) est un artiste russe des 19e et 20e siècles qui a travaillé dans presque tous les types et genres de beaux-arts: peinture, dessin, sculpture décorative. et art théâtral. Depuis 1896, il était marié à la célèbre chanteuse N.I. Zabele, dont il avait peint plusieurs fois les portraits.

N. A. Dmitrieva a comparé la biographie créative de Vrubel avec le drame en trois actes avec prologue et épilogue, et la transition vers un nouveau stade a été chaque fois brusque et inattendue. Par «prologue», on entend les premières années d'apprentissage et de choix d'une vocation. Acte un - les années 1880, séjournant à l'Académie des Arts et déménageant à Kiev, pratiquant l'art byzantin et la peinture d'église. Le deuxième acte concerne la période de Moscou, qui a commencé en 1890 avec l’assise du démon et a pris fin en 1902 avec l’hospitalisation de Demon Downed. Loi trois: 1903-1906, associée à une maladie mentale, qui a progressivement miné les pouvoirs physiques et intellectuels du peintre. Devenu aveugle depuis quatre ans, Vroubel n'a vécu que physiquement.

Dans les années 1880-1890, les recherches créatives de Vroubel ne trouvèrent aucun soutien de la part de l’Académie des arts et des critiques d’art, mais S. I. Mamontov devint son client habituel. Les artistes et les critiques ont fait de Vroubel «leur propre pays». Plus tard, ils se sont regroupés autour du magazine World of Art. Ses œuvres ont été constamment exposées lors des expositions des artistes moscovites et des rétrospectives de Diaghilev. Au début du XXe siècle, la peinture de Vroubel était devenue une partie intégrante de l’Art nouveau russe. "Pour la gloire dans le domaine artistique" le 28 novembre 1905, il reçoit le titre d'académicien en peinture - juste à temps pour la cessation complète de l'activité artistique.

"The Demon Sitting" (1890) - une photo de l'artiste russe Mikhail Vrubel.

Grant Wood, gothique américain

Грант Вуд, «Американская готика»

Grant Devolson Wood (anglais Grant DeVolson Wood; 13 février 1891 - 12 février 1942) est un artiste américain, connu principalement pour ses peintures de la vie rurale dans le Midwest américain. L'auteur du célèbre tableau "gothique américain"

"American Gothic" est un tableau de l’artiste américain Grant Wood, créé en 1930. Une des images les plus reconnaissables (et parodiées) de l'art américain du XXe siècle.

René Magritte, le fils de l'homme

Рене Магритт, «Сын человеческий»

René François Gilen Magritte (français, René François Ghislain Magritte; le 21 novembre 1898, Lessin - le 15 août 1967, à Bruxelles) est un artiste surréaliste belge. Connu comme l'auteur de peintures à la fois spirituelles et à la fois poétiques et mystérieuses.

“Le fils de l'homme” est un tableau du surréaliste belge René Magritte. Peut-être le plus célèbre de ses travaux.

Salvador Dali, «Persistance de la mémoire»

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти»

Salvador Dali (nom complet Salvador Domenech Felip Jacinto Dali et Domenech, marquis de Dali de Poubol, chat. Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol, espagnol Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí de Dala, Domée Púbol; 11 mai 1904, Figueres - 23 janvier 1989, Figueres) - peintre, graphiste, sculpteur, réalisateur et écrivain espagnol. L'un des représentants les plus célèbres du surréalisme.

Il a travaillé sur les films suivants: “Andalusian Dog”, “Golden Age” (réalisateur - Luis Bunuel), “Spellbound” (réalisateur - Alfred Hitchcock). L'auteur des livres «La vie secrète de Salvador Dali, raconté par lui-même» (1942), «Le journal d'un génie» (1952-1963), Oui: La révolution paranoïaque-critique (1927-1933) et l'essai «Le mythe tragique d'Angelus Millet».

«Persistance de la mémoire» (en espagnol: La persistencia de la memoria, 1931) est l'un des tableaux les plus célèbres de l'artiste Salvador Dali. Situé au Museum of Modern Art de New York depuis 1934.

Également appelé «horloge douce», «dureté de la mémoire» ou «persistance de la mémoire» ou «écoulement du temps» ou «temps».

Cette petite image (24 × 33 cm) est probablement l'œuvre la plus célèbre de Dali. La douceur des montres suspendues et fluides est une image qui exprime une rupture avec une compréhension linéaire du temps. Ici, Dali lui-même est présent sous la forme d'une tête endormie, apparaissant déjà dans The Mourning Game et d'autres peintures. Selon sa méthode, l'artiste a expliqué l'origine de l'intrigue en réfléchissant sur la nature du camembert; Le paysage de Port Ligat étant déjà prêt, peindre un tableau ne prend que deux heures. En revenant du film où elle est allée ce soir-là, Gala a correctement prédit que personne ne l'oublierait jamais quand ils verraient "Memory Constancy". La peinture, apparemment, aurait pu être facilitée par les associations que Dali avait quand il avait vu du fromage à la crème (cela est indiqué dans sa déclaration).

Ivan Aivazovsky, La neuvième vague

Иван Айвазовский, «Девятый вал»

Ivan Konstantinovich Aivazovsky (en arménien Այվազյան Այվազյան, Hovhannes Ayvazyan; 17 juillet 1817, Feodosia, province de Tauride, empire russe - 19 avril [2 mai 1900], Feodosia, province de Tauride, empire russe) - artiste russe, artiste peintre collectionneur, philanthrope. Peintre du quartier général de la marine, académicien et membre honoraire de l'Académie impériale des arts, membre honoraire de l'Académie des beaux-arts d'Amsterdam, Rome, Paris, Florence et Stuttgart.

L'artiste le plus remarquable d'origine arménienne du XIXe siècle. Frère de l'historien arménien et archevêque de l'Église apostolique arménienne Gabriel Aivazovsky.

"La neuvième vague" - l'une des peintures les plus célèbres de l'artiste peintre de marine russe d'origine arménienne Ivan Aivazovsky, est conservée au musée russe (inv. Zh-2202).

Le peintre représente la mer après une très forte tempête nocturne et des naufragés. Les rayons du soleil illuminent les énormes vagues. Le plus grand d'entre eux - le neuvième puits - est prêt à tomber sur des personnes qui tentent de s'échapper sur l'épave du mât.

Malgré le fait que le navire ait été détruit et que seul le mât subsiste, les personnes qui y sont installées sont en vie et continuent de se débattre avec les éléments. Les couleurs chaudes de la photo ne rendent pas la mer si dure et donnent au spectateur l’espoir que les gens seront sauvés.

La taille de la toile est de 221 × 332 cm, en bas, sur le mât, la signature et la date: Ayvazovskiy 1850; dans le coin inférieur droit en rouge: 5; au verso en noir: n ° 2506. La peinture est arrivée au musée russe en 1897 en provenance de l'Ermitage.

Peter Brueghel, La tour de Babel

Питер Брейгель, «Вавилонская башня»

Peter Bruegel the Elder (néerlandais: Pieter Bruegel de Oude [ˈpitər ˈbrøːɣəl]; v. 1525 - 9 septembre 1569, Bruxelles), également connu sous le pseudonyme Muzhitsky, est le peintre et graphiste néerlandais, le plus célèbre et le plus significatif des artistes qui portèrent ce nom. Maître de scènes de paysage et de genre. Le père des artistes Peter Brueghel le Jeune ("Enfer") et Jan Brueghel l'Ancien ("Le paradis").

La tour de Babel (en néerlandais: De Toren van Babel) est un célèbre tableau de Peter Brueghel. L'artiste a créé au moins deux œuvres sur cette intrigue.

Léonard de Vinci, La Cène

Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря»

Leonardo di ser Piero da Vinci (Italien: Leonardo di ser Piero da Vinci; 15 avril 1452, village d'Ankiano, près de la ville de Vinci, près de Florence - 2 mai 1519, Château de Luce, près d'Amboise, Touraine, France) - artiste italien ( peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, musicien, l’un des plus grands représentants de l’art de la Haute Renaissance, exemple frappant de «l’homme universel» (lat. homo universalis).

The Last Supper (Italien: Il Cenacolo ou L'Ultima Cena) est une peinture monumentale de Léonard de Vinci, représentant la scène du dernier repas du Christ avec ses disciples. Créé en 1495-1498 dans le monastère dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Eduard Manet, «Le bar du Foley Berger»

Эдуард Мане, «Бар в “Фоли-Бержер”»

Eduard (Edouard) Manet (P. Édouard Manet [edwaʁ manɛ]; 23 janvier 1832, Paris - 30 avril 1883, Paris) - peintre français, graveur, l'un des fondateurs de l'impressionnisme.

“Bar au Foley Berger” ”(tableau Un bar aux Folies Bergère) - peinture d'Edouard Manet. Actuellement situé dans la galerie Courto à Londres.

Foley-Berger - spectacle de variétés et cabaret à Paris. Il est situé au 32 rue Richet, un établissement très prisé à la fin du XIXe siècle. Manet se rend souvent au Foley-Berger et finit par peindre ce tableau - le dernier qu'il a présenté au Salon de Paris avant sa mort en 1883.

Manet a fait des croquis pour la photo dans le bar situé au rez-de-chaussée du spectacle de variétés, à droite de la scène. Puis il a demandé à la serveuse Suzon (père Suzon) et à son ami, un artiste martial Henri Dupray (père Henri Dupray), de poser dans l'atelier. Initialement, la base de la composition doit être opposée à la serveuse et au client, passionnés par la conversation. Ceci est démontré non seulement par des croquis préservés, mais aussi par des images radiographiques de l'image. Mane décida plus tard de rendre la scène plus significative. À l'arrière-plan, vous pouvez voir un miroir reflétant le nombre de personnes remplissant la pièce. En face de cette foule, derrière le comptoir se trouve une serveuse absorbée par ses propres pensées. Mana a réussi à donner un sentiment de solitude incroyable au milieu d'une foule buvant, mangeant, parlant et fumant, regardant un acrobate sur un trapèze, visible dans le coin supérieur gauche de la photo.

Si vous regardez les bouteilles posées sur la barre de marbre du bar, vous remarquerez que leur reflet dans le miroir ne correspond pas à l'original. La réflexion de la serveuse est également irréaliste. Elle regarde directement le spectateur, tandis que dans le miroir elle fait face à l'homme. Toutes ces incohérences incitent le spectateur à se demander si Mane décrivait le monde réel ou imaginaire.

Le miroir, qui reflète les personnages représentés sur la photo, associe le "Bar du Foley Berger" aux "Menins" de Velazquez et le "Portrait du couple Arnolfini" de van Eyck.

Edgar Degas, Blue Dancers

Эдгар Дега, «Голубые танцовщицы»

Hilaire-Germain-Edgar de Ga ou Edgar Degas (P. Edgar Degas; 19 juillet 1834, Paris - 27 septembre 1917) - peintre français, l'un des représentants les plus éminents et originaux du mouvement impressionniste.

«Blue Dancers» (Danseuses bleues françaises) est un pastel du peintre impressionniste français Edgar Degas créé en 1897. Il est conservé au Musée national des beaux-arts A. Pouchkine de Moscou, qui est entré au Musée national du nouvel art occidental en 1948; jusqu'en 1918, il faisait partie de la collection de Sergei Ivanovich Schukin à Moscou. Après sa création, le pastel était conservé dans la collection de Duran-Ruel à Paris.

Le dessin a été fait au pastel sur du papier de 65 × 65 cm.

Rembrandt, Veille de nuit

Рембрандт, «Ночной дозор»

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Néerlandais Rembrandt Harmenszoon van Rijn), peintre néerlandais, graveur, grand maître du clair-obscur, le plus grand représentant de l'âge d'or de la peinture hollandaise. Il a réussi à incarner dans ses œuvres toute la gamme des expériences humaines avec une telle richesse émotionnelle que les arts visuels ne connaissaient pas avant lui. Les œuvres de Rembrandt, extrêmement diverses en termes de genre, ouvrent au spectateur le monde spirituel intemporel des émotions et des sentiments humains.

"Night Watch" (néerlandais: Nachtwacht) - le nom sous lequel le groupe de Rembrandt décrit "La représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Bunning Coc et du lieutenant Willem van Reutenburg", traditionnellement connue, a été écrite en 1642.

Edward Munch, le cri

Эдвард Мунк, «Крик»

Edward Munch (norvégien. Edvard Munch; 12 décembre 1863, Löthen, Hedmark - 23 janvier 1944, Ekel, près d'Oslo) - peintre et graphiste norvégien, l'un des premiers représentants de l'expressionnisme, dont l'image la plus reconnaissable était le tableau «Scream». Son travail est embrassé par les motifs de la mort, la solitude, mais en même temps la soif de la vie.

"Scream" (Nor. Skrik) - a créé entre 1893 et ​​1910 une série de peintures de l'artiste expressionniste norvégien Edward Munch. Ils représentent une figure humaine hurlant de désespoir sur un ciel rouge sang et un paysage très généralisé. En 1895, Munch crée une lithographie sur le même sujet.

Le cri, emblème de l'expressionnisme, est une sorte de prélude à l'art du XXe siècle, préfigurant les thèmes de la solitude, du désespoir et de l'aliénation qui sont la clé du modernisme. Comme s'il regardait le siècle à venir des guerres mondiales, des révolutions et des catastrophes environnementales, l'auteur semble nier la possibilité même de les surmonter ou de les transcender.

Jacques-Louis David, La mort de Marat

Жак-Луи Давид, «Смерть Марата»

Jacques-Louis David (P. Jacques-Louis David; 30 août 1748, Paris - 29 décembre 1825, Bruxelles) - Peintre et professeur français, l'un des principaux représentants du néoclassicisme français en peinture.

«La mort de Marat» (en français: La Mort de Marat) - un tableau de l'artiste français Jacques Louis David, est l'un des tableaux les plus célèbres consacrés à la Grande Révolution française.

La photo raconte le sort de Jean Paul Marat, journaliste du journal radical "Friend of the People", le chef des Jacobins. Marat était l'un des plus ardents partisans de la terreur jacobine. Ayant une maladie de peau, Marat ne quitta pas son domicile et, pour soulager ses souffrances, prit un bain. Le 13 juillet 1793, une noble femme, Charlotte Corde, l'a poignardé au couteau dans son appartement.

L'inscription sur le socle en bois est la dédicace de l'auteur: "MARATU, David." Dans la main de Marat se trouve un tract avec le texte suivant: «Le 13 juillet 1793, Marie Anna Charlotte Corde, citoyenne de Marat. Je suis malheureuse et j'ai donc droit à votre défense. En fait, Marat n'a pas réussi à obtenir cette note - Korde l'avait déjà tué. Bien que de nombreux chercheurs affirment que l'épisode avec la note a été complètement inventé par l'artiste pour accentuer davantage le drame. Sa posture et sa blessure juste en dessous de la clavicule ressemblent à l'image de Jésus, au moment où il a été retiré de la croix. Le meurtre chaotique et chaotique est soigneusement édité par l'artiste et ressemble à un martyre. La position de la main droite ressemble à la figure de Jésus dans le tableau «Enterrement du Christ» (parfois «La position dans le sépulcre») de Caravaggio.

La peinture était extrêmement populaire, il y a plusieurs répétitions des auteurs et artistes de son école ("La mort de Marat. C. 1793. Atelier de David. Musée des Beaux-Arts de Reims," ​​La mort de Marat. C. 1793. Atelier de David. Musée des Beaux-Arts de Dijon ", Jean Paul Marat, tué dans le bain le 13 juillet 1793. XIXe siècle (J.-M. Langlois selon l'ordre de David. Versailles).

Il a apprécié le tableau de Baudelaire, selon sa définition, Marat, "est devant nous une tragédie pleine de douleur et d'horreur." «Il y a quelque chose de tendre et de douloureux dans la photo; dans l'espace froid de cette pièce, entre ces murs froids, au-dessus d'un bain froid et sinistre, une âme s'envole. "

La peinture est actuellement à Bruxelles, dans la collection du Musée royal des beaux-arts.

Vincent Van Gogh, Nuit étoilée

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь»

Vincent Willem Van Gogh (Pays-Bas: Willem Willem van Gogh; 30 mars 1853, Grot-Sundert, Pays-Bas - Le 29 juillet 1890, Over-sur-Oise, France) est un peintre post-impressionniste néerlandais dont le travail a eu une influence intemporelle sur la peinture du XXe siècle. Pendant dix ans, il a créé plus de 2100 œuvres, dont environ 860 peintures à l'huile. Parmi eux, des portraits, des autoportraits, des paysages et des natures mortes, avec l’image d’oliviers, de cyprès, de champs de blé et de tournesols. La plupart des critiques n'ont pas remarqué Van Gogh avant son suicide à l'âge de 37 ans, qui a été précédé par des années d'anxiété, de pauvreté et de troubles mentaux.

Starry Night (néerlandais: De sterrennacht) est l'un des tableaux les plus célèbres du peintre néerlandais post-impressionniste Vincent Van Gogh. Présente une vue depuis la fenêtre est de la chambre de Van Gogh à Saint-Rémy-de-Provence vers le ciel de l'aube et un village fictif. La peinture a été peinte en juin 1889; Depuis 1941, conservé au Museum of Modern Art de New York.

Victor Vasnetsov, "Les héros"

Виктор Васнецов, «Богатыри»

Viktor Mikhailovich Vasnetsov (3 mai 1848, village de Lopyal, province de Vyatka - 23 juillet 1926, Moscou) - peintre et architecte russe, maître de la peinture historique et populaire. Le frère cadet est l'artiste Apollinariy Vasnetsov.

"Athlètes" - une image de Viktor Vasnetsov. Vasnetsov a travaillé sur la photo pendant environ vingt ans. Le 23 avril 1898, il fut achevé et fut rapidement acheté par P. M. Tretyakov pour sa galerie. Inv. 1019.

Jackson Pollock, "n ° 5"

Джексон Поллок, «№ 5»

Paul Jackson Pollock (Ing. Paul Jackson Pollock; 28 janvier 1912 - 11 août 1956) est un artiste américain, idéologue et chef de file de l'expressionnisme abstrait, qui a eu une influence considérable sur l'art de la seconde moitié du XXe siècle.

"No. 5, 1948" - tableau de Jackson Pollock, achevé en 1948. L'une des œuvres les plus célèbres dans le style de l'expressionnisme abstrait.

Il est fabriqué selon la technique de pulvérisation typique de Pollock. Une peinture non objective de 243,8 × 121,9 cm au format écrit sur du panneau de fibres de bois (panneau de fibres de bois). Utilisé principalement les peintures grises, brunes, blanches et jaunes.

Sandro Botticelli, La naissance de Vénus

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры»

Sandro Botticelli (Italien: Sandro Botticelli, de son vrai nom Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Italien: Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi; 1er mars 1445 - 17 mai 1510)) - Peintre de la Renaissance italienne, représentant de l'école de peinture florentine.

“La naissance de Vénus” (italien: Nascita di Venere) - une photo de l'artiste italien de l'école toscane Sandro Botticelli. C'est une peinture à la détrempe sur toile de 172,5 × 278,5 cm, actuellement conservée à la Galerie des Offices, à Florence.

Andrei Roublev, "Trinité"

Андрей Рублев, «Троица»

Andrei Rublev (vers 1360 - le 17 octobre 1428 à Moscou) est le peintre d'icônes russe le plus célèbre et le plus respecté de l'école de peinture d'icônes, de livre et de peinture monumentale du XVe siècle à Moscou. Canonisé par l'Église orthodoxe russe sous le couvert des saints.

“La Trinité” (aussi “L'hospitalité d'Abraham”) est une icône de la Sainte Trinité peinte par Andrei Rublev au XVe siècle, la plus célèbre de ses œuvres et l'une des deux œuvres qui lui sont attribuées (y compris des fresques à Vladimir), d'après les scientifiques, est fiable. lui appartient. C'est l'une des icônes russes les plus célèbres.

Vasily Vereshchagin, “L'apothéose de la guerre”

Василий Верещагин, «Апофеоз войны»

Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) - peintre et écrivain russe, l'un des plus célèbres peintres de bataille.

"L'Apothéose de la guerre" - une photo de l'artiste russe Vasily Vasilyevich Vereshchagin. L'inscription est faite sur le cadre: "Dédié à tous les grands conquérants - passés, présents et futurs."

Jan Vermeer, “Fille à la perle”

Ян Вермеер, «Девушка с жемчужной сережкой»

Jan Vermeer (Vermeer Delft, néerlandais. Jan Vermeer van Delft ou néerlandais. Johannes Vermeer van Delft, IPA: [jɑn vərˈmeːr]; 1632-1675) - Peintre hollandais, maître de la peinture de maison et des portraits de genre. Un des plus talentueux disciples (avec Hoch) des disciples de Terborch. Le travail de Rembrandt, Hals et Vermeer est considéré comme le summum de l'art hollandais de l'âge d'or.

Dans la tradition artistique russe, Vermeer Delftsky est l'orthographe la plus répandue du nom de l'artiste. Les autres options sont Johannis van der Mer, Johannis ver Mer, Wermer Delft. Selon les règles de transcription néerlandaises, la combinaison ee est transmise sous la forme e.

«Fille à la perle» est l'une des peintures les plus célèbres de l'artiste hollandais Jan Vermeer. Elle s'appelle souvent la Mona Lisa du nord ou hollandaise.

La peinture est signée par IVMeer, mais pas datée. Selon le musée Mauritshuis, où la peinture est actuellement conservée, elle aurait été peinte vers 1665. On sait très peu d'elle. On ignore si Vermeer l'a écrit à la commande. Dans ce cas, il s'agissait du client et du nom de la fille représentée. Selon une version, l'artiste a dépeint sa propre fille, Maria. En tout cas, il est évident qu’il s’agit d’un portrait inhabituel. L'artiste a essayé de capturer le moment où la jeune fille tourne la tête en direction du spectateur vers quelqu'un qu'elle vient de remarquer. Conformément à son nom, l’attention du spectateur se concentre sur une perle dans l’oreille de la fille. Actuellement, un certain nombre de chercheurs doutent que la photo montre une boucle d'oreille en perle. Pour les perles naturelles, la taille est trop grande, il peut s'agir de fausses perles de verre vénitien ou de nacre. De plus, vous ne pouvez pas voir la boucle ou le pendentif, pour lequel la "perle" est attachée à l'oreille. Le surlignage blanc brillant au sommet des «chatons» peut être une déformation lors d'une des restaurations du tableau.

Dans les descriptions modernes de Vermeer, l'image est attribuée au genre appelé «trônes» aux Pays-Bas au XVIIe siècle, désignant des images de la tête humaine, et non des portraits à part entière. Lors de la restauration du tableau en 1994, il a été possible d'insister sur la grâce du jeu de couleurs et sur l'attrait du regard de la fille destiné au spectateur. Sur le conseil de Victor de Stur, qui s’est battu pendant de nombreuses années pour conserver ses rares peintures dans son pays, A. des Tombé a acquis le tableau lors d’une vente aux enchères à La Haye en 1881 pour seulement deux florins et trente centimes. La photo était dans un état déplorable. Des Tombé n'avait pas d'héritier et il fit don de la «Fille à la perle» ainsi que de plusieurs autres tableaux au musée Mauritshuis en 1902.

En 1937, une image très similaire est apparue, qui a également été attribuée à Vermeer. Le collectionneur Andrew W. Mellon l'a transféré à la National Gallery of Art de Washington. Maintenant, il est considéré comme un faux sous Vermeer, qui au début du 20ème siècle a été écrit par le copiste Theo van Weingarden, un ami de Khan van Megeren.

Katsushika Hokusai, "La grande vague à Kanagawa"

Кацусика Хокусай, «Большая волна в Канагаве»

Katsushika Hokusai (飾 北 japonais); 21 octobre 1760, Edo - 10 mai 1849, ibid.) - célèbre artiste japonais ukiyo-e, illustrateur, graveur de la période Edo. Il a travaillé sous de nombreux pseudonymes. Il est l'un des plus célèbres graveurs japonais de l'Ouest, un maître de la dernière période de la gravure sur bois japonaise.

Hokusai a utilisé au moins trente pseudonymes au cours de sa vie. Malgré le fait que l'utilisation de pseudonymes était une pratique courante chez les artistes japonais de cette époque, elle est nettement supérieure à celle d'autres auteurs célèbres en termes de nombre de pseudonymes. Les pseudonymes de Hokusai sont souvent utilisés pour périodiser les étapes de son travail.

"La grande vague à Kanagawa" (沖浪 裏 Kanagawa-oki nami hourra) - gravure sur bois de l'artiste japonais Katsushiki Hokusai. La première œuvre de la série "Trente-six vues de Fuji". La peinture est faite dans le style de l'ukiyo-e. Il est considéré comme l'une des œuvres les plus célèbres et les plus populaires des beaux-arts japonais en dehors du Japon même. Certains pensent qu'en Occident cette gravure est mieux connue que toute autre œuvre d'art asiatique en général.

Au centre de la parcelle, au premier plan, se trouve une énorme vague suspendue au-dessus du bateau; Mont Fuji au centre de l'arrière-plan. L'action se déroule dans la préfecture de Kanagawa.

Karl Bryullov, «Le dernier jour de Pompéi»

Карл Брюллов, «Последний день Помпеи»

Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov) (jusqu'en 1822 - Bryullo; 12 décembre 1799, Saint-Pétersbourg, Russie - 11 juin 1852, Manziana, région papale) - artiste russe, peintre, monumentaliste, aquarelliste, représentant du classicisme et du romantisme.

«Le dernier jour de Pompéi» est une peinture grand format de l'artiste russe Karl Bryullov (1799-1852), qui a été achevée en 1833. Il est conservé au musée national russe à Saint-Pétersbourg (inv. Zh-5084). Taille: 456,5 × 651 cm, illustrant les événements survenus à Pompéi [K 1] lors de l'éruption catastrophique du Vésuve survenue en 79 après JC.

Karl Bryullov a visité les fouilles de Pompéi au cours de l'été 1827, lors de son voyage à Naples, où il a eu l'idée d'écrire une grande toile consacrée à la mort de Pompéi. Le client de la toile était le prince Anatoly Demidov. En général, le travail sur la peinture a duré environ six ans - à partir de 1827, année où Bryullov a créé les premiers croquis et les premières esquisses, jusqu'en 1833. La version finale de la grande toile multi-figurée a été créée en 1830-1833.

Après avoir terminé la peinture, Karl Bryullov a commencé à la montrer dans son atelier à Rome. La popularité du dernier jour de Pompéi et de son auteur grandissait rapidement: l’écrivain Nikolai Rozhalin a déclaré qu’à Rome «l’incident le plus important a été l’exposition du tableau de Bryullov dans son atelier», «toute la ville a été émerveillée par elle». De Rome, la toile a été transportée à Milan, où elle a été exposée à la Milan Art Exhibition de 1833. Inspiré par le succès de la peinture en Italie, son propriétaire Anatoly Demidov a réussi à inclure cette création dans l'exposition du Salon de Paris, qui a ouvert ses portes en mars 1834, et dans lequel l'œuvre de Bryullov a reçu une grande médaille d'or.

À l'été de 1834, le tableau «Le dernier jour de Pompéi» est envoyé de France à Saint-Pétersbourg, où Demidov le présente à l'empereur Nicolas I. En août 1834, le tableau est placé à l'Hermitage et fin septembre de la même année, il est transféré dans une salle séparée de l'Académie. Des arts à voir. Le tableau a connu un vif succès, le poète Alexandre Pouchkine a consacré son poème «Vésuve le Pharynx» et l'écrivain Nikolai Gogol a écrit un article dans lequel il a appelé «Le dernier jour de Pompéi» comme l'un des phénomènes les plus brillants du XIXe siècle et «la résurrection éclatante de la peinture». un état semi-léthargique. " En 1851, le tableau entra dans le nouvel ermitage et en 1897, il fut transféré à la collection du musée russe de l'empereur Alexandre III (l'actuel musée d'Etat russe), qui était en cours de création.

Le critique d'art Alla Vereshchagina a noté que l'intrigue de la peinture "Le dernier jour de Pompéi" "était inconnue dans la pratique de la peinture historique classique". L'artiste n'a pas montré l'acte héroïque d'un héros, mais un désastre naturel qui a touché de nombreuses personnes, "de ce fait, les gens sont entrés pour la première fois dans la peinture historique russe". Selon la critique d'art Svetlana Stepanova, le travail de Bryullov est devenu "non seulement l'une des prochaines réalisations de l'école nationale, mais un phénomène qui a accéléré l'évolution de l'art".

James Whistler, «Arrangement in Grey and Black. Mère de l'artiste "

Джеймс Уистлер, «Аранжировка в сером и черном. Мать художника»

James Abbot McNeill Whistler (anglais James Abbot McNeill Whistler, parfois McNill, 11 juillet 1834, Lowell, Massachusetts, États-Unis - 17 juillet 1903, Londres, Royaume-Uni) - artiste américain, maître du portrait, de la gravure et de la lithographie. L'un des célèbres tonalistes, précurseurs de l'impressionnisme et du symbolisme. Adhérent du concept "d'art pour art". Officier de la Légion d'honneur (1892).

Il a étudié dans l'empire russe et aux États-Unis, mais a passé la majeure partie de sa vie active en Angleterre. Plus célèbre pour les portraits de ses contemporains. Il a été influencé par des réalistes en la personne de son ami Gustav Courbet et les préraphaélites, ainsi que par l'art japonais. Dans un certain nombre de méthodes créatives, il était proche de l'impressionnisme. L'une des œuvres les plus célèbres de Whistler est le portrait de sa mère: «Arrangement in grey and black. Mère de l'artiste. " Il a influencé deux générations d'artistes, en Europe et aux États-Unis. Il était ami avec Dante Rossetti, Eduard Manet, Claude Monet, Aubrey Beardsley, les poètes Stefan Mallarm et Oscar Wilde.

«Arrangement en gris et noir, n ° 1: Portrait de la mère de l'artiste» (arrangement anglais en gris et noir, N ° 1: portrait de la mère de l'artiste; souvent appelée la mère de Whistler) - le tableau le plus célèbre de l'artiste américain James Whistler, écrit en 1871 année. La peinture représente Anna Whistler (1804-1881), la mère de l’artiste. Il est conservé au musée d'Orsay à Paris, en France. La taille de l'image est 144,3 × 162,4 cm.

Claude Monet, «Impression. Le soleil levant

Клод Моне, «Впечатление. Восходящее солнце»

Oscar Claude Monet (français: Oscar-Claude Monet; 14 février 1840, Paris, France - 5 décembre 1926, Giverny, France) - peintre français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme.

“Impression. Le Soleil Levant ”(Fr. Impression, soleil levant) - une image de Claude Monet, peinte en 1872 dans le vieux port de Le Havre et portant le nom de la direction artistique« Impressionnisme ».

La toile a été exposée pour la première fois lors de l'exposition en 1874 dans l'ancien studio du photographe Nadar. Avec la main légère du journaliste Louis Leroy, le nom de l’œuvre devient le nom de la direction dont les représentants ont participé à cette exposition. Dans son article «Exposition des impressionnistes» (1874, Le Charivari), Leroy écrivait: «Un papier peint, et ils auraient semblé plus complets que cette« Impression «!».

La toile a été exposée au musée de la Marmotte à Paris, où elle a été volée en 1985 avec d'autres œuvres de l'artiste, ainsi que des peintures d'Auguste Renoir et de Berthe Morisot. La toile n'a été découverte que cinq ans plus tard. En 1991, elle a repris sa place dans l'exposition.

Ilya Repin, "Les chalands sur la Volga"

Илья Репин, «Бурлаки на Волге»

Ilya Efimovich Repin (russe doré. Ilya Efimovich Rѣpin, 24 juillet [5 août] 1844, Chuguev, empire russe - 29 septembre 1930, Kuokkala, Finlande) - peintre russe, enseignant, professeur, membre titulaire de l'Académie impériale des arts.

Dès le début de sa carrière, à partir des années 1870, Repin est devenu l'une des figures clés du réalisme russe. L'artiste a réussi à résoudre le problème de refléter la diversité de la vie environnante dans un tableau. Dans son travail, il a réussi à couvrir tous les aspects de la modernité, à toucher à des sujets qui intéressent le public, à réagir vivement au malheur du jour. La plasticité caractérisait le langage artistique de Repin, qui percevait diverses tendances stylistiques allant des Espagnols et des Néerlandais du XVIIe siècle à Alexander Ivanov et aux impressionnistes français modernes.

"Transporteur de chalands sur la Volga" est une peinture de l'artiste russe Ilya Repin, créée en 1870-1873. Représente un artel de transporteurs de barge pendant le travail.

Le tableau mesure 131,5 × 281 cm et se trouve dans le musée russe de Saint-Pétersbourg.

Valentin Serov, “Fille aux pêches”

Валентин Серов, «Девочка с персиками»

Valentin Aleksandrovich Serov (7 janvier 1865, Saint-Pétersbourg - 22 novembre [5 décembre 1911] (Moscou)) - peintre et graphiste russe, maître de portrait, académicien de l'Académie impériale des arts.

«Fille aux pêches» - une peinture du peintre russe Valentin Serov, peinte en 1887, est conservée dans la galerie nationale Tretiakov.

Pablo Picasso, “Fille sur le ballon”

Пабло Пикассо, «Девочка на шаре»

Pablo Ruiz i Picasso, nom complet - Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz et Picasso José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25 octobre 1881, Malaga, Espagne - 8 avril 1973, Mougins, France) - artiste espagnol et français, sculpteur, artiste graphique, artiste de théâtre, céramiste et designer.

Le fondateur du cubisme (avec Georges Braque et Juan Gris), dans lequel le corps tridimensionnel de la manière originale était décrit comme une série de plans combinés. Picasso a beaucoup travaillé en tant que graphiste, sculpteur, céramiste, etc. Il a donné vie à de nombreux imitateurs et a eu un impact exceptionnel sur le développement des beaux-arts au XXe siècle. Selon le Museum of Modern Art (New York), Picasso a créé environ 20 000 œuvres dans sa vie.

Selon des estimations d’experts, Picasso est l’artiste le plus «cher» du monde: en 2008, le volume des ventes officielles de ses œuvres s’élevait à 262 millions de dollars. Le tableau "Les femmes algériennes" de Picasso, vendu au printemps 2015 à New York au prix de 179 millions de dollars, est devenu le tableau le plus cher jamais vendu aux enchères.

Selon une enquête réalisée par The Times en 2009 et réalisée auprès de 1,4 million de lecteurs, Picasso est le meilleur artiste parmi ceux qui ont vécu au cours des 100 dernières années. De plus, ses toiles occupent la première place en termes de "popularité" parmi les ravisseurs.

“Fille sur le ballon” - une image de Pablo Picasso, écrite en 1905. Un grand travail de la période "rose" dans le travail de l'artiste.

En 1913, il fut acquis à Paris par I. A. Morozov. La peinture a été nationalisée après la révolution et s'est retrouvée au Musée d'État de la nouvelle peinture occidentale (GMNZI), où, après sa dissolution en 1948, elle a été transférée à la collection du Musée des beaux-arts A. Pushkin.

Henri Matisse, “Danse”

Анри Матисс, «Танец»

Henri Émile Benoît Matisse (en français: Henri Émile Benoît Matisse; 31 décembre 1869, Le Cato-Cambresi, France - 3 novembre 1954, Nice, France) - artiste et sculpteur français, chef du mouvement fauviste. Connu pour ses recherches sur la transmission des émotions par la couleur et la forme.

«Danse» (français: La Danse) - créée en 1910 par un artiste français Henri Matisse. Il existe en deux versions: la première au Musée d'art moderne de New York, la seconde et la plus célèbre à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Kazimir Malevich, «Blanc sur blanc»

Казимир Малевич, «Белое на белом»

Kazimir Severinovich Malevich (polonais. Kazimierz Malewicz; 11 février 1879, Kiev - 15 mai 1935, Leningrad) - artiste avant-gardiste russe et soviétique d'origine polonaise, enseignant, théoricien de l'art, philosophe. Le fondateur du suprématisme - l'un des plus grands domaines de l'art abstrait.

“Blanc sur blanc” (“Carré blanc”, “Carré blanc sur fond blanc”) - une peinture peinte en 1918 par Kazimir Malevich appartient à la direction de la peinture non objective russe, que Malevich a appelée le suprématisme. Le carré blanc était l'un des trois carrés suprématistes de Malevitch, les deux autres - noir et rouge.

Michelangelo Buonarroti, La création d'Adam

Микеланджело Буонарроти, «Сотворение Адама»

Michelangelo Buonarroti, nom complet Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni (italien: Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni; 6 mars 1475, Caprese - 18 février 1564, Rome) [⇨] - sculpteur, artiste peintre italien, architecte [⇨] , poète [⇨] et penseur [⇨]. Un des plus grands maîtres de la Renaissance [⇨] et du début du baroque. Ses œuvres ont été considérées comme les plus grandes réalisations de l'art de la Renaissance au cours de la vie du maître lui-même. Michel-Ange a vécu pendant près de 89 ans, pendant toute une période, de la période de la Haute Renaissance aux origines de la Contre-Réforme. Pendant cette période, treize papes ont été remplacés - il a exécuté des commandes pour neuf d'entre eux. De nombreux documents sur sa vie et son travail ont été conservés - témoignages de contemporains, lettres de Michel-Ange lui-même, contrats, ses archives personnelles et professionnelles. Michelangelo est également le premier représentant de l'art d'Europe occidentale, dont la biographie a été imprimée de son vivant.

David, Bacchus, Pieta, des statues de Moïse, Léa et Rachel représentant le tombeau du pape Jules II figurent parmi ses œuvres les plus célèbres. Le premier biographe officiel de Michelangelo, Giorgio Vasari, a écrit que «David» «a ravi la gloire de toutes les statues, modernes et anciennes, grecques et romaines». L'une des œuvres les plus monumentales de l'artiste est la fresque au plafond de la chapelle Sixtine, à propos de laquelle Goethe a écrit: «N'ayant pas vu la chapelle Sixtine, il est difficile d'imaginer ce qu'une personne peut faire." Parmi ses réalisations architecturales - le projet du dôme de la basilique Saint-Pierre, les escaliers de la bibliothèque laurentienne, la place Campidoglio et autres. Les chercheurs pensent que l’art de Michel-Ange commence et finit avec l’image du corps humain.

La création d'Adam (en italien: La création d'Adamo) est une fresque de Michel-Ange peinte vers 1511.

Caravaggio, "La décapitation de Jean-Baptiste"

Караваджо, «Обезглавливание Иоанна Крестителя»

Michelangelo Merisi da Caravaggio (italien: Michelangelo Merisi da Caravaggio; 29 septembre 1571, Milan - 18 juillet 1610, Porto Ercole [it]) - artiste italien, réformateur de la peinture européenne du XVIIe siècle, fondateur du réalisme de la peinture, l'un des plus grands maîtres du baroque. L'un des premiers à appliquer le style d'écriture en clair-obscur - un contraste net entre la lumière et l'ombre. Pas un seul dessin ou un croquis n'a été trouvé, l'artiste a immédiatement réalisé ses compositions complexes sur toile.

"La décapitation de Jean-Baptiste" est un tableau de l'artiste italien Caravaggio, écrit en 1608 à Malte. La seule image connue pour le moment avec sa signature.

Jean-Honoré Fragonard, "Swing"

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели»

Jean-Honore Fragonard (Jean-Honoré Fragonard, le 5 avril 1732, Grass - 22 août 1806, Paris) - peintre et graveur français. Il a travaillé dans le style rococo. Il a créé plus de 550 peintures (sans compter les dessins et les estampes).

"Swing" - tableau du peintre français Jean Honore Fragonard, peint vers 1767. L'œuvre la plus célèbre de l'artiste, considérée comme l'un des chefs-d'œuvre de l'époque rococo.

La photo montre un jeune homme regardant de derrière les buissons une jeune femme sur une balançoire, qui est bercée par un homme âgé qui ne remarque pas un ventilateur qui se cache. Au moment capturé sur la photo, la jeune fille étant au sommet du chemin de balançoire, elle permet à la cavalière gagnante de découvrir les secrets de sa robe, bien que cette générosité ait pour conséquence la perte de la chaussure s'envolant dans la statue d'Harpocrate - l'ancien dieu grec du silence et du secret. Shapo Berger (chapeau de berger) sur la tête de la jeune fille renforce le sens ironique et frivole de la photo, car à cette époque, ces chapeaux étaient associés à la gracieuse noblesse des habitants de zones rurales familiers avec la nature et préservés des tentations de la ville.

Selon les mémoires du dramaturge Charles Colle, la cour non nommée de Louis XV a ordonné à Gabriel-François Doyen de confectionner ce tableau comme un portrait complot de sa maîtresse et de lui-même, et selon l'idée originale, l'évêque devrait adopter une attitude radicale. Ne se risquant pas à entreprendre un travail aussi frivole, Doyen passa la commande à Fragonard, qui peignit le tableau, remplaçant toutefois l'évêque par un laïc.

L'identité du premier propriétaire du tableau reste floue, mais il a été suggéré qu'il pourrait s'agir de Marie-François-David Boyu de Saint-Julien, plus connu sous le nom de baron de Saint-Julien (1713-1788). Le premier propriétaire fiable était le percepteur des impôts M.—F. Ménage de Pressigny, après la mort de qui en 1794, la peinture est passée à la propriété du gouvernement révolutionnaire de la France. Par la suite, le tableau pourrait appartenir à la marquise de Racin de Saint-Mar et Charles de Morny devint le prochain propriétaire incontesté. Après la mort de de Morney en 1865, le tableau fut acheté lors d’une vente aux enchères à Paris par Richard Seymour-Conway, la quatrième marquise de Hartward, l’un des fondateurs de la Wallace Assembly de Londres, où le tableau est conservé.

Gustave Courbet, le désespoir. Autoportrait »

Гюстав Курбе, «Отчаяние. Автопортрет»

Jean Désir Gustave Courbet (Jean Désiré Gustave Courbet; 10 juin 1819, Ornant - 31 décembre 1877, La Tour de Pels, Vaud, Suisse) - peintre français, peintre paysagiste, peintre de genre et peintre de portraits. Il est considéré comme l'un des finalistes du romantisme et des fondateurs du réalisme en peinture. Un des artistes les plus importants en France au 19ème siècle, une figure clé du réalisme français.

Karl Bryullov, la cavalière

Карл Брюллов, «Всадница»

Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov) (jusqu'en 1822 - Bryullo; 12 décembre 1799, Saint-Pétersbourg, Russie - 11 juin 1852, Manziana, région papale) - artiste russe, peintre, monumentaliste, aquarelliste, représentant du classicisme et du romantisme.

"La cavalière" est une image de l’artiste russe Karl Bryullov, peinte en 1832.

Pierre Auguste Renoir, petit déjeuner des rameurs

Пьер Огюст Ренуар, «Завтрак гребцов»

Pierre-Auguste Renoir (fr. Pierre-Auguste Renoir [pjɛʁ oɡyst ʁənwaʁ]; 25 février 1841, Limoges - 3 décembre 1919, Cagnes-sur-Mer) - peintre, graphiste et sculpteur français, l'un des principaux représentants de l'impressionnisme. Connu principalement comme un maître du portrait profane, non sans sentimentalité. Renoir fut le premier des impressionnistes à réussir parmi les riches parisiens. Au milieu des années 1880 en fait, il a rompu avec l’impressionnisme, revenant à la linéarité du classicisme, à «l’engisme». Le père du célèbre réalisateur Jean Renoir.

Le déjeuner des rameurs est une peinture de l'artiste français Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) écrite en 1880-1881.

Marc Chagall, «Au-dessus de la ville»

Марк Шагал, «Над городом»

Mark Zakharovich (Moses Khatskelevich) Chagall (fr. Marc Chagall, yiddish רק; 6 juillet ou 7 juillet 1887, Vitebsk, province de Vitebsk, Empire russe (région actuelle de Vitebsk, Biélorussie) - 28 mars 1985, Saint-Paul- de Vence, Provence, France) - artiste russe et français d'origine juive. En plus du graphisme et de la peinture, il était également engagé dans la scénographie et écrivait des poèmes en yiddish. L'un des représentants les plus célèbres de l'avant-garde artistique du XXe siècle.

Peter Brueghel, Proverbes flamands

Питер Брейгель, «Фламандские пословицы»

Peter Brueghel (Younger) (néerlandais Pieter Bruegel de Jonge, MFA: [pitər ˈbrøːɣəl]; 1564/65 Bruxelles - 10 octobre [source non précisée 757 jours] 1636 Anvers, surnommé «l'enfer») - peintre néerlandais (flamand).

Pablo Picasso, Guernica

Пабло Пикассо, «Герника»

Pablo Ruiz i Picasso, nom complet - Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz et Picasso José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25 octobre 1881, Malaga, Espagne - 8 avril 1973, Mougins, France) - artiste espagnol et français, sculpteur, artiste graphique, artiste de théâtre, céramiste et designer.

“Gernika” (espagnol: Guernica) - une peinture de Pablo Picasso, peinte en mai 1937 sur ordre du gouvernement de la République espagnole pour le pavillon espagnol de l'exposition universelle de Paris. Le thème de la peinture, exécuté à la manière du cubisme et en noir et blanc, est le bombardement de Guernica, qui a eu lieu peu avant, ainsi que l’horreur de la révolution espagnole d’avril (1931) et de la guerre civile en Espagne (1936-1939).

Après l'exposition, la toile a été exposée dans un certain nombre de pays (principalement aux États-Unis). Picasso lui-même a déclaré qu'il aimerait la voir au musée du Prado, mais seulement après la restauration de la république en Espagne. La peinture a été placée à Prado en 1981 et, en 1992, a été transportée avec d'autres œuvres d'art du XXe siècle au musée Reina Sofia de Madrid, où elle est toujours conservée.

Gustav Klimt, le baiser

Густав Климт, «Поцелуй»

Gustav Klimt (allemand: Gustav Klimt; 14 juillet 1862, Baumgarten, Empire autrichien - 6 février 1918, Vienne, Autriche-Hongrie) - artiste autrichien de renom, fondateur de l'Art Nouveau dans la peinture autrichienne. Le sujet principal de sa peinture était un corps de femme et la plupart de ses œuvres se distinguent par un érotisme pur et simple.

“Kiss” (en allemand: Der Kuß) est une peinture de l’artiste autrichien Gustav Klimt, peinte de 1907 à 1908.

Peter Paul Rubens, "L'enlèvement des filles de Leucippe"

Питер Пауль Рубенс, «Похищение дочерей Левкиппа»

Peter Paul Rubens (néerlandais: Pieter Paul Rubens, MFA: [ˈpitər 'pʌul' rybə (n) s]; 28 juin 1577, Siegen - 30 mai 1640, Anvers) - peintre hollandais (flamand), l'un des fondateurs de l'art baroque, diplomate , collectionneur. Le patrimoine créatif de Rubens comprend environ 3 000 peintures, dont une grande partie a été réalisée en collaboration avec des étudiants et des collègues, dont le plus important était Anthony van Dyck. Selon le catalogue de M. Jaffe, il y a 1403 toiles authentiques. La vaste correspondance de Rubens, principalement diplomatique, a été conservée. Il a été élevé à la noble dignité par le roi d'Espagne Philippe IV (1624) et accordé à la chevalerie par le roi d'Angleterre Charles Ier (1630) avec l'inclusion du lion héraldique dans son blason personnel. Avec l'acquisition en 1635 du château de Steen à Eleutheit, Rubens reçut le titre de seigneur.

Le travail de Rubens est une fusion organique des traditions du réalisme de Bruegel avec les réalisations de l'école vénitienne. Rubens s'est spécialisé dans la peinture religieuse (y compris les images d'autel), a peint des peintures sur des sujets mythologiques et allégoriques, des portraits (il a abandonné ce genre dans les dernières années de sa vie), des paysages et des toiles historiques, et a également réalisé des esquisses pour illustrer des livres et des livres. Dans la technique de la peinture à l'huile, Rubens a été l'un des derniers artistes à utiliser des panneaux de bois pour le travail de chevalets, même de très grands.

«L'enlèvement des filles de Leucippus» est un tableau de Peter Paul Rubens.

Dans cette image, Rubens a utilisé le mythe des frères Dioscuri, fils de Zeus et de Léda, Castor et Pollux, qui avaient enlevé les filles du roi Leucippe - Gilair et Phoebe. Dans cette histoire, Rubens a été emporté par le moment très dramatique de l'enlèvement, qui offre de nombreuses opportunités pour des décisions plastiques.

Avec de puissants bras musclés, les jeunes hommes attrapent des femmes nues pour les mettre sur des chevaux. Désespérées et effrayées, les filles du tsar se tournent vers le ciel, comme si elles cherchaient le salut des dieux. De drôles petits cupides accrochés au cou des chevaux de trait. Les huit personnages sont tous astucieusement inscrits dans un cercle, lui-même magnifiquement situé dans un champ presque carré. L'horizon bas vous permet de lire clairement la silhouette complexe et fantaisiste du groupe. Il est construit sur les contrastes de mouvements et de taches de couleur. Les corps légers et tendres de femmes nues aux cheveux d'or sont habilement comparés à des personnages bronzés et puissants d'hommes sombres. Les tissus rouge, doré, blanc et vert foncé renforcent l’effet décoratif de la composition chromatique. La complexité apparente du groupe est conçue pour donner l’impression de tension dans la situation, mais en même temps, la construction a la plus stricte réflexion logique. La boule de corps a trois points d'appui, fixés au pied du cheval, à l'arrêt du pied droit de Dioscurus et au point d'appui de son pied gauche qui, pour ainsi dire, est repoussé par le bras de Leucippida. De plus, ces points d'appui sont situés à différentes distances du spectateur, contribuant ainsi à l'orientation spatiale du groupe. On peut sentir l'extraordinaire enthousiasme du grand artiste à trouver différents angles, révélant la richesse des états plastiques du corps humain, dans lesquels il peut difficilement avoir beaucoup de rivaux. Le mouvement dans la compréhension de Rubens comporte à la fois une impulsion émotionnelle et une signification situationnelle ou intrigue. Mais dans les deux cas, il acquiert, à partir de la réalité, une sorte de conventionalité artistique, obéissant aux lois de l'organisation artistique des formes sur le plan. Rubens a cherché à exprimer le caractère décoratif de la composition, à se régaler de la beauté des lignes et des formes dans leur entrelacement, leur interpénétration et leur juxtaposition. Rubens a doté ses héros courageux et audacieux de la beauté d'une jeunesse en bonne santé, de leur dextérité, leur force et leur soif de vie.

Paul Gauguin «D'où venons-nous? Qui sommes nous Où allons-nous?

Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

Eugène Henri Paul Gauguin (le 7 juin 1848 - 8 mai 1903) - peintre français, sculpteur et céramiste et graphiste. Fr. Eugène Henri Paul Gauguin [øˈʒɛn ãˈʁi ˌpol ɡo]; 7 juin 1848 - 8 mai 1903) Avec Cézanne et Van Gogh, il était le plus grand représentant du post-impressionnisme. Au début des années 1870, il commence à peindre en amateur. Le début de la créativité est associé à l’impressionnisme. Depuis 1880, a participé à des expositions des impressionnistes. Depuis 1883, artiste professionnel. Les œuvres de Gauguin n’ont pas été sollicitées au cours de sa vie, l’artiste était pauvre. Le tableau de Gauguin «Quand est le mariage?» Est l'un des tableaux les plus chers vendus.

"D'où venons-nous?" Qui sommes nous Où allons-nous? ”(1897-1898; fr. D'où venons nous? Que sommes nous? Où allons-nous?) - l'un des tableaux les plus célèbres de Paul Gauguin. Créé à Tahiti, il est actuellement situé au Museum of Fine Arts de Boston, Massachusetts, États-Unis.

William Blake, le grand architecte

Уильям Блейк, «Великий архитектор»

William Blake (Eng. William Blake; 28 novembre 1757, Londres - 12 août 1827, Londres) - Poète, artiste et graveur anglais. Presque méconnu de son vivant, Blake est maintenant considéré comme une figure importante de l'histoire de la poésie et des beaux-arts de l'époque romantique. Il a vécu toute sa vie à Londres (à l'exception de trois ans à Felfam).

Bien que ses contemporains aient considéré Blake comme fou, des critiques ultérieures ont souligné son expressivité et la profondeur philosophique et mystique de son travail. Ses peintures et poèmes ont été décrits comme romantiques ou pré-romantiques. Adhérent de la Bible mais adversaire de l'Église d'Angleterre (ainsi que de toutes les formes de religion organisée), Blake était influencé par les idéaux des révolutions française et américaine. Bien qu’il ait par la suite été déçu par beaucoup de ces convictions politiques, il a maintenu des relations amicales avec le militant politique Thomas Payne; également influencé par le philosophe Emanuel Swedenborg. Malgré toutes les influences, le travail de Blake est difficile à classer sans ambiguïté. L'écrivain du XIXe siècle, William Rossetti, l'appelait «le glorieux luminaire» et «un homme qui n'a été ni anticipé par ses prédécesseurs, ni classé par ses contemporains, ni remplacé par des successeurs célèbres ou présumés».

"L'Ancien des Jours" - Gravure de l'artiste et poète anglais William Blake.

Le nom de l'œuvre «The Ancient of Days» en anglais signifie «The Ancient of Days» - c'est l'un des noms (épithètes) de Dieu dans l'Ancien Testament, mentionné dans le livre du prophète Daniel (en araméen: Atik Yomin).

Le second nom de la gravure ("Le Grand Architecte") fait référence au nom accepté en Franc-maçonnerie comme étant la plus haute entité ou Dieu (Le Grand Architecte de l'Univers).

Le personnage principal de la gravure est Dieu au moment de la création. Blake lui donne le nom d'Urizen (du mot raison - raison).

Titian, “Amour terrestre et amour céleste”

Тициан, «Любовь земная и Любовь небесная»

Titian Vecellio (Italien: Tiziano Vecellio, 1488/1490, Pieve di Cadore - 27 août 1576, Venise) - peintre italien, le plus grand représentant de l'école vénitienne de la Haute et de la Renaissance tardive. Le nom de Titian est à égalité avec des artistes de la Renaissance tels que Michelangelo, Leonardo da Vinci et Rafael. Titien a peint sur des sujets bibliques et mythologiques, et il est devenu célèbre en tant que portraitiste. Les rois et les papes, les cardinaux, les ducs et les princes lui ont donné des ordres. Titien n'avait même pas trente ans lorsqu'il fut reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

Par son lieu de naissance (Pieve di Cadore dans la province de Belluno, République de Venise), il est parfois appelé da Cadore; également connu comme le divin Titien.

“Amour céleste et amour terrestre” (italien: Amor sacro e Amor profano; c. 1514) - peinture de l'artiste Titian.

Giuseppe Arcimboldo, “Portrait de l'empereur Rodolphe II à l'image de Vertumna”

Джузеппе Арчимбольдо, «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна»

Giuseppe Arcimboldo (Italien: Giuseppe Arcimboldo; 1526 ou 1527, Milan - 11 juillet 1593, ibid.) - peintre et décorateur italien, généralement classé parmi les représentants du maniérisme. Dans son travail, certains critiques et artistes du 20ème siècle ont anticipé le surréalisme.

Giuseppe Arcimboldo est issu de la famille d'un artiste milanais. Dès son jeune âge, il a aidé son père à créer des peintures murales d'église. Il s'est également spécialisé dans la réalisation de croquis de tapisseries et de vitraux. Après avoir acquis la renommée et l'autorité, il est invité en 1562 à la cour du Saint empereur romain germanique Maximilien II à Vienne, avant de servir de successeur à Rodolphe II à Prague. En plus de remplir les fonctions de peintre et de décorateur de la cour, il a supervisé l'acquisition d'œuvres d'art, organisé des séjours de vacances et dirigé des travaux d'ingénierie. Environ deux douzaines d’œuvres d’Archimboldo de cette époque ont été conservées - portraits officiels et peintures spécifiques, réalisées sous la forme d’une combinaison inhabituelle d’objets, de plantes et d’animaux; peut-être que la Kunstkamera de la cour, qui était supervisée par le peintre, a influencé le style de l’identité. Ce style a été encouragé par les empereurs-clients et a même servi de modèle. L'empereur Rodolphe II en 1580 a octroyé à Archimboldo la noblesse. Après avoir servi à la cour des Habsbourg pendant environ 25 ans, en 1587, l'artiste se retire et retourne à Milan, mais continue de créer des œuvres dans le style de son choix, qu'il envoie à Prague. Pour "Portrait de Rodolphe II à l'image de Vertumn", l'artiste s'est vu attribuer le titre honorifique de Palatinat. Après sa mort, son style et ses expériences formelles ont été oubliés et un nouvel intérêt pour l'héritage d'Arcimboldo a éclaté dans les années trente. Depuis ce temps, il est considéré comme un classique de la peinture européenne et a, dans une certaine mesure, élargi les limites de la forme et du contenu.

"Portrait de l'empereur Rodolphe II à l'image de Vertumna" (italien: L'imperatore Rodolfo II dans veste di Vertumno) - un tableau de l'artiste maniériste italien Giuseppe Arcimboldo, peint vers 1590.

En 1562, Archimboldo fut invité à la cour du Saint Empereur Romain Maximilien II à Vienne, puis servit de successeur à Rodolphe II à Prague. Après avoir servi à la cour des Habsbourg pendant environ 25 ans, en 1587, l'artiste se retire et retourne à Milan, mais continue de créer des œuvres dans le style de son choix, qu'il envoie à Prague. Pour "Portrait de Rodolphe II à l'image de Vertumn", l'artiste s'est vu attribuer le titre honorifique de Palatinat.

Ce portrait représente l'empereur à l'image du dieu des saisons et des fruits de Vertumna, connu dans l'ancienne Italie. Wertumn était le dieu de la transformation, de l'abondance naturelle. Dans les temps anciens, il était représenté principalement sous la forme d'un jardinier avec un couteau de jardin et des fruits. Sur cette image, le portrait de l'empereur est composé d'une variété de fruits et de légumes représentant la végétation et les dons de la nature des quatre saisons. Gregorio Comanini, un ami de l'artiste, poète et historien, a décrit cette image: «Les yeux sur son visage sont les étoiles de l'Olympe, sa poitrine est l'air, son estomac est la terre, ses jambes sont les gouffres. Ses vêtements sont des fruits et de l'herbe ... "

Cette peinture est actuellement exposée au château de Skukkloster à Stockholm.

Kuzma Petrov-Vodkin, “Baigner le cheval rouge”

Кузьма Петров-Водкин, «Купание красного коня»

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (24 octobre [5 novembre] 1878, Khvalynsk, province de Saratov, Empire russe - 15 février 1939, Leningrad, URSS) - peintre russe et soviétique, artiste graphique, théoricien de l'art, écrivain et professeur, artiste émérite de la RSFSR ( 1930).

«Bathing the Red Horse» est une peinture célèbre de l'artiste Kuzma Petrov-Vodkin. Il a été écrit en 1912, est devenu un repère pour l'artiste et lui a apporté une renommée mondiale.

Vasily Kandinsky, «Composition VII»

Василий Кандинский, «Композиция VII»

Vasily Vasilievich Kandinsky (4 décembre (16), 1866, Moscou - 13 décembre 1944, Neuilly-sur-Seine, France) - artiste russe et théoricien des beaux-arts, qui est à l'origine de l'art abstrait. Un des fondateurs du groupe Blue Horseman. Oncle du philosophe Alexander Kozhevnikov.

Bien entendu, il ne s’agit pas d’une liste complète des œuvres de génies et il n’est pas surprenant que nous ayons raté votre auteur par inadvertance. Même les chefs-d'œuvre mondiaux ne sont pas du goût de tout le monde, encore moins des peintres individuels plutôt originaux. Mais certains artistes cachent aussi des messages dans leurs œuvres, si vous les trouvez, écrivez à ce sujet dans les commentaires, merci.

Via ofigenno.com et wiki