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50 chefs-d'œuvre de peinture que toute personne instruite doit connaître

50 шедевров живописи

Art (de l'art glorieux de l'église, art. Art glorieux - expérience, test) - compréhension figurative de la réalité; le processus ou le résultat de l'expression de l'intérieur ou de l'extérieur (par rapport au créateur) du monde dans une image artistique; créativité dirigée de telle manière qu'elle reflète l'intérêt non seulement de l'auteur lui-même, mais aussi des autres. L'art (avec la science) est l'une des voies de la cognition, à la fois dans les sciences naturelles et dans l'image religieuse de la perception du monde.

Autrefois, l'art était le privilège des élites, mais aujourd'hui, n'importe qui peut visiter un musée ou une philharmonie pour profiter des grandes œuvres du passé. Une personne moderne qui veut être considérée comme éduquée devrait être au moins un peu avertie dans ces domaines et être capable de distinguer Manet de Monet, par exemple.

Personne ne dit qu'il est nécessaire de se familiariser avec toutes les œuvres des auteurs, considérées à juste titre comme excellentes, mais cela vaut quand même la peine de connaître les œuvres les plus importantes. Au minimum, cela est très utile pour le développement global. Nous avons donc décidé de collectionner les peintures les plus célèbres jamais écrites par l'homme.

Le concept d'art est extrêmement large - il peut se manifester comme une compétence extrêmement développée dans un domaine particulier. Pendant longtemps, l'art a été considéré comme un type d'activité culturelle qui satisfait l'amour d'une personne pour le beau. Parallèlement à l'évolution des normes et des évaluations esthétiques sociales, l'art a le droit d'être appelé toute activité visant à créer des formes esthétiquement expressives.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза»

Leonardo di ser Piero da Vinci (italien: Leonardo di ser Piero da Vinci; 15 avril 1452, le village d'Ankiano, près de la ville de Vinci, près de Florence - 2 mai 1519, château de Clos-Luce, près d'Amboise, Touraine, France) - artiste italien ( peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, musicien, l'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance, exemple vivant d'un «homme universel» (lat. homo universalis).

«Mona Lisa» ou «Mona Lisa» (italien: Mona Lisa, La Gioconda, nom complet - «Portrait de Madame Lisa del Giocondo», italien. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - peinture de Léonard de Vinci, l'une des peintures les plus célèbres . La date exacte de l'écriture est inconnue (selon certaines sources, elle a été écrite entre 1503 et 1505). Maintenant conservé au Louvre. On pense que le tableau représente Lisa Gerardini, l'épouse du marchand de soie florentin Francesco del Giocondo.

Rafael Santi, La Madone Sixtine

Рафаэль Санти, «Сикстинская Мадонна»

Rafael Santi (italien: Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 26 ou 28 mars ou 6 avril 1483, Urbino - 6 avril 1520, Rome) - peintre, graphiste et architecte italien, représentant de l'école ombrienne.

"Madone Sixtine" (italien: Madonna Sistina) - une peinture de Raphaël, qui depuis 1754 est à la Galerie des Maîtres Anciens de Dresde. Appartient au nombre de sommets universellement reconnus de la Haute Renaissance.

Jerome Bosch, «Jardin des délices terrestres»

Иероним Босх, «Сад земных наслаждений»

Jeroen Antonison van Aken (néerlandais. Jeroen Anthoniszoon van Aken [jəˈrun ɑnˈtoːnɪˌsoːn vɑn ˈaːkə (n)]), mieux connu sous le nom de Jerome Bosch (néerlandais. Jheronimus Bosch [ˌɦijeˈroːnimʏs ˈbɔsnim. artiste, l'un des plus grands maîtres de la Renaissance du Nord. Une dizaine de peintures et douze dessins ont survécu au travail de l’artiste. Il a été ordonné membre de la Confrérie de Notre-Dame (néerlandais. Illustre Lieve Vrouwe Broederschap; 1486); considéré comme l'un des peintres les plus mystérieux de l'histoire de l'art occidental. Dans la ville natale de Bosch, le néerlandais Hertogenbosch, le centre de créativité de Bosch est ouvert, qui présente des copies de toutes ses œuvres.

«Jardin des délices terrestres» - le triptyque le plus célèbre de Jérôme Bosch, nommé d'après la partie centrale, est dédié au péché de volupté - Luxuria. Le nom original de cette œuvre de Bosch n'est pas connu avec certitude. Les chercheurs ont qualifié le «Jardin des délices terrestres» de triptyque. En général, aucune des interprétations de l'image disponible aujourd'hui n'est reconnue comme la seule vraie. La plupart des théories sur la signification de l'image ont été développées au 20e siècle.

Diego Velazquez, Menin

Диего Веласкес, «Менины»

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (espagnol: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; 6 juin 1599, Séville, Royaume de Castille et Leon - 6 août 1660, Madrid, Espagne) - artiste espagnol, le plus grand représentant de l'école madrilène de l'âge d'or de la peinture espagnole , peintre de la cour du roi Philippe IV. Parmi ses élèves figurent Esteban Murillo et Juan de Pareja. La seule déclaration de l'artiste qui a été préservée est «Je préfère être la meilleure à l'image de la laideur, et non la seconde à l'image de la beauté».

"Menin" (espagnol Las Meninas - "demoiselles d'honneur"), ou "Famille de Philippe IV" - une peinture de Diego Velazquez, écrite en 1656. L'une des peintures les plus célèbres du monde, conservée au musée du Prado.

La toile représente la scène de Velasquez écrivant un portrait conjoint du roi espagnol Philippe IV avec sa femme et sa nièce Marianne d'Autriche en présence de leur fille Infanta Margarita Teresa avec sa suite. La composition complexe et mystérieuse de l'image soulève des questions sur l'illusion et la réalité, ainsi que sur l'incertitude de la connexion entre le spectateur et les personnages.

"Menin" est universellement considéré comme l'un des tableaux les plus importants et les plus étudiés de l'histoire de l'art occidental. Selon le maître baroque italien Luke Giordano, il s'agit d'une "théologie de la peinture", et le président de la Royal Academy of Arts, Sir Thomas Lawrence, l'a qualifiée de "véritable philosophie de l'art". Selon l'une des estimations modernes, il s'agit de «la plus haute réalisation de Velazquez - une démonstration consciente et soigneusement vérifiée des limites de la peinture; peut-être la déclaration la plus profonde sur ses possibilités jamais faite. "

Eugene Delacroix, «La liberté guidant le peuple»

Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ»

Ferdinan Victor Eugene Delacroix (français: Ferdinand Victor Eugène Delacroix; 1798-1863) - peintre et graphiste français, leader de la tendance romantique dans la peinture européenne.

«Liberté guidant le peuple», ou «Liberté sur les barricades» est une peinture de l'artiste français Eugène Delacroix. Il est considéré comme l'un des jalons clés entre les époques des Lumières et du romantisme.

Mikhail Vrubel, le démon assis

Михаил Врубель, «Демон сидящий»

Mikhail Alexandrovich Vrubel (5 mars 1856, Omsk, région de Kirghiz Sibérie, Empire russe - 1er avril 1910, Saint-Pétersbourg) est un artiste russe du tournant des XIXe et XXe siècles, qui a travaillé dans presque tous les types et genres de beaux-arts: peinture, graphisme et sculpture décorative et l'art théâtral. Depuis 1896, il était marié au célèbre chanteur N.I. Zabele, dont il a peint à plusieurs reprises les portraits.

N.A. Dmitrieva a comparé la biographie créative de Vrubel avec le drame en trois actes avec un prologue et un épilogue, et la transition vers une nouvelle étape à chaque fois s'est produite brusquement et de manière inattendue. Par «prologue», on entend les premières années d'apprentissage et de choix d'une vocation. Acte un - les années 1880, séjournant à l'Académie des Arts et déménageant à Kiev, pratiquant l'art byzantin et la peinture d'église. Le deuxième acte est la période de Moscou, qui a commencé en 1890 avec le "Demon Sitting" et s'est terminée en 1902 avec le "Demon Downed" et l'hospitalisation de l'artiste. Acte trois: 1903-1906, associé à la maladie mentale, qui a progressivement sapé les pouvoirs physiques et intellectuels du peintre. Au cours des quatre dernières années, devenu aveugle, Vrubel n'a vécu que physiquement.

Dans les années 1880-1890, les recherches créatives de Vrubel n'ont pas trouvé le soutien de l'Académie des arts et des critiques d'art, mais S. I. Mamontov est devenu son client régulier. Les artistes et les critiques ont fait de Vrubel leur «propre», unissant plus tard le magazine World of Art, ses œuvres ont été constamment exposées dans les expositions des artistes moscovites et les rétrospectives de Diaghilev, et au début du XXe siècle, la peinture de Vrubel est devenue une partie organique de l'Art nouveau russe. "Pour la renommée dans le domaine artistique" Le 28 novembre 1905, il obtient le titre d'académicien de la peinture - juste à temps pour la cessation complète de l'activité artistique.

"The Demon Sitting" (1890) - une photo de l'artiste russe Mikhail Vrubel.

Grant Wood, gothique américain

Грант Вуд, «Американская готика»

Grant Devolson Wood (né Grant DeVolson Wood; 13 février 1891 - 12 février 1942) est un artiste américain, connu principalement pour ses peintures sur la vie rurale dans le Midwest américain. L'auteur du célèbre tableau "American Gothic"

"American Gothic" (Eng. American Gothic) est une peinture de l'artiste américain Grant Wood, créée en 1930. L'une des images les plus reconnaissables (et parodiées) de l'art américain du XXe siècle.

René Magritte, «Fils de l'homme»

Рене Магритт, «Сын человеческий»

René François Gilen Magritte (français: René François Ghislain Magritte; 21 novembre 1898, Lessin - 15 août 1967, Bruxelles) est un artiste surréaliste belge. Connu comme l'auteur de peintures pleines d'esprit et en même temps poétiquement mystérieuses.

«Le fils de l'homme» (français: Le fils de l'homme) - une photo du surréaliste belge René Magritte. Peut-être le plus célèbre de ses œuvres.

Salvador Dali, «Persistance de la mémoire»

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти»

Salvador Dali (nom complet Salvador Domenech Felip Jacinto Dali et Domenech, Marquis de Dali de Poubol, Cat.Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol, espagnol Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí délé de Mari Domè Púbol; 11 mai 1904, Figueres - 23 janvier 1989, Figueres) - peintre espagnol, graphiste, sculpteur, réalisateur et écrivain. L'un des représentants les plus célèbres du surréalisme.

Il a travaillé sur les films: «Chien andalou», «Âge d'or» (réalisateur - Luis Bunuel), «Spellbound» (réalisateur - Alfred Hitchcock). Auteur des livres «La vie secrète de Salvador Dali, raconté par lui-même» (1942), «Le journal d'un génie» (1952-1963), Oui: La révolution paranoïaque-critique (1927-1933) et l'essai «Le mythe tragique d'Angélus Millet».

«Persistance de la mémoire» (espagnol: La persistencia de la memoria, 1931) est l'une des peintures les plus célèbres de l'artiste Salvador Dali. Situé au Musée d'Art Moderne de New York depuis 1934.

Également connu sous le nom de «horloge douce», «dureté de la mémoire» ou «persistance de la mémoire» ou «l'écoulement du temps» ou «le temps».

Cette petite image (24 × 33 cm) est probablement l'œuvre la plus célèbre de Dali. La douceur des montres suspendues et fluides est une image qui exprime une rupture avec une compréhension linéaire du temps. Ici, Dali lui-même est présent sous la forme d'une tête endormie, qui est déjà apparue dans The Mourning Game et d'autres peintures. Selon sa méthode, l'artiste a expliqué l'origine de l'intrigue en réfléchissant à la nature du camembert; le paysage de Port Ligat était déjà prêt, donc peindre un tableau était une question de deux heures. De retour du cinéma où elle s'est rendue ce soir-là, Gala a correctement prédit que personne, une fois qu'il aurait vu la «constance de la mémoire», ne l'oublierait. Apparemment, la peinture aurait pu être facilitée par les associations que Dali avait quand il a vu du fromage à la crème (cela est indiqué par sa déclaration).

Ivan Aivazovsky, La neuvième vague

Иван Айвазовский, «Девятый вал»

Ivan Konstantinovich Aivazovsky (arménien Հովհաննես Այվազյան, Hovhannes Ayvazyan; 17 juillet 1817, Feodosia, province de Tauride, Empire russe - 19 avril [2 mai] 1900, Feodosia, province de Tauride, Empire russe) - artiste russe, artiste collectionneur, philanthrope. Peintre du quartier général de la marine, académicien et membre honoraire de l'Académie impériale des arts, membre honoraire de l'Académie des beaux-arts d'Amsterdam, Rome, Paris, Florence et Stuttgart.

L'artiste d'origine arménienne le plus remarquable du XIXe siècle. Frère de l'historien arménien et archevêque de l'Église apostolique arménienne Gabriel Aivazovsky.

"La neuvième vague" - l'une des peintures les plus célèbres de l'artiste-marin russe d'origine arménienne Ivan Aivazovsky, est conservée au Musée russe (inv. Zh-2202).

Le peintre dépeint la mer après une très forte tempête nocturne et des naufragés. Les rayons du soleil illuminent les énormes vagues. Le plus grand d'entre eux - le neuvième puits - est prêt à tomber sur des personnes essayant de s'échapper sur l'épave du mât.

Malgré le fait que le navire a été détruit et qu'il ne reste que le mât, les personnes sur le mât sont vivantes et continuent de lutter avec les éléments. Les couleurs chaudes de l'image ne rendent pas la mer si dure et donnent au spectateur l'espoir que les gens seront sauvés.

La taille du tableau est de 221 × 332 cm En dessous, sur le mât, signature et date: Ayvazovskiy 1850; dans le coin inférieur droit en rouge: 5; au verso en noir: n ° 2506. Le tableau est arrivé au Musée russe en 1897 de l'Hermitage.

Peter Brueghel, La tour de Babel

Питер Брейгель, «Вавилонская башня»

Peter Bruegel l'Ancien (néerlandais: Pieter Bruegel de Oude [ˈpitər ˈbrøːɣəl]; v. 1525 - 9 septembre 1569, Bruxelles), également connu sous le surnom de Moujitsky, est le peintre et graphiste néerlandais, le plus célèbre et le plus important des artistes qui ont porté ce nom. Maître des scènes de paysage et de genre. Le père des artistes Peter Brueghel le Jeune ("Enfer") et Ian Bruegel l'Ancien ("Paradis").

La tour de Babel (en néerlandais: De Toren van Babel) est un célèbre tableau de Peter Brueghel. L'artiste a créé au moins deux œuvres sur cette intrigue.

Léonard de Vinci, la dernière Cène

Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря»

Leonardo di ser Piero da Vinci (italien: Leonardo di ser Piero da Vinci; 15 avril 1452, le village d'Ankiano, près de la ville de Vinci, près de Florence - 2 mai 1519, château de Clos-Luce, près d'Amboise, Touraine, France) - artiste italien ( peintre, sculpteur, architecte) et scientifique (anatomiste, naturaliste), inventeur, écrivain, musicien, l'un des plus grands représentants de l'art de la Haute Renaissance, exemple vivant d'un «homme universel» (lat. homo universalis).

La Dernière Cène (italien: Il Cenacolo ou L'Ultima Cena) est une peinture monumentale de Léonard de Vinci, représentant la scène du dernier repas du Christ avec ses disciples. Créé en 1495-1498 dans le monastère dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Eduard Manet, «Le bar du Foley Berger»

Эдуард Мане, «Бар в “Фоли-Бержер”»

Edouard (Edouard) Manet (fr. Édouard Manet [edwaʁ manɛ]; 23 janvier 1832, Paris - 30 avril 1883, Paris) - Peintre, graveur français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme.

«Bar au Foley Berger» »(Fr. Un bar aux Folies Bergère) - peinture d'Edouard Manet. Actuellement situé à la Courto Gallery de Londres.

Foley Berger - spectacle de variétés et cabaret à Paris. Il est situé au 32 rue Richet et à la fin du 19ème siècle, cet établissement était très populaire. Manet a souvent visité le Foley-Berger et a finalement peint ce tableau - le dernier qu'il a présenté au Salon de Paris avant sa mort en 1883.

Manet a fait des croquis pour la photo directement dans le bar, situé au rez-de-chaussée du spectacle de variétés à droite de la scène. Il a ensuite demandé à la serveuse Suzon (P. Suzon) et à son ami, un artiste martial Henri Dupray (P. Henri Dupray), de poser dans l'atelier. Au départ, la base de la composition doit être opposée à la barmaid et au client, passionnés par la conversation. Cela est mis en évidence non seulement par des croquis conservés, mais aussi par des images radiographiques de l'image. Plus tard, Mane a décidé de rendre la scène plus significative. À l'arrière-plan, vous pouvez voir un miroir, qui reflète un grand nombre de personnes remplissant la pièce. Face à cette foule, derrière le comptoir se tient une barmaid absorbée par ses propres pensées. Mana a réussi à transmettre un sentiment de solitude incroyable au milieu d'une foule buvant, mangeant, parlant et fumant, regardant un acrobate sur un trapèze, qui peut être vu dans le coin supérieur gauche de l'image.

Si vous regardez les bouteilles se tenant sur la barre de marbre de la barre, vous remarquerez que leur reflet dans le miroir ne correspond pas à l'original. La réflexion de la serveuse est également irréaliste. Elle regarde directement le spectateur, tandis que dans le miroir, elle fait face à l'homme. Toutes ces incohérences incitent le spectateur à se demander si Mane dépeint le monde réel ou imaginaire.

Le miroir, qui reflète les figures représentées sur la photo, fait le «Bar au Foley Berger» lié aux «Menins» de Velazquez et le «Portrait du couple Arnolfini» de van Eyck.

Edgar Degas, Blue Dancers

Эдгар Дега, «Голубые танцовщицы»

Hilaire-Germain-Edgar de Ga, ou Edgar Degas (fr. Edgar Degas; 19 juillet 1834, Paris - 27 septembre 1917) - peintre français, l'un des représentants les plus éminents et originaux du mouvement impressionniste.

«Blue Dancers» est un pastel du peintre impressionniste français Edgar Degas créé en 1897. Il est conservé au musée national des beaux-arts A. Pouchkine de Moscou, qui est entré au musée national des nouveaux arts occidentaux en 1948; jusqu'en 1918, il était dans la collection de Sergei Ivanovich Schukin à Moscou, après la création du pastel a été stocké dans la collection de Duran-Ruel à Paris.

Le dessin a été réalisé au pastel sur papier mesurant 65 × 65 cm.

Rembrandt, Night Watch

Рембрандт, «Ночной дозор»

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Néerlandais Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606–1669) - peintre, graveur néerlandais, grand maître du clair-obscur, le plus grand représentant de l'âge d'or de la peinture néerlandaise. Il a réussi à incarner dans ses œuvres tout l'éventail des expériences humaines avec une telle richesse émotionnelle que les arts visuels ne le connaissaient pas avant lui. Les œuvres de Rembrandt, extrêmement diverses dans l'appartenance à un genre, ouvrent au spectateur le monde spirituel intemporel des émotions et des sentiments humains.

"Night Watch" (néerlandais: Nachtwacht) - le nom sous lequel le portrait de groupe de Rembrandt "La performance de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Bunning Cock et du lieutenant Willem van Reutenburg", traditionnellement connue, a été écrit en 1642.

Edward Munch, le cri

Эдвард Мунк, «Крик»

Edward Munch (norvégien. Edvard Munch; 12 décembre 1863, Löthen, Hedmark - 23 janvier 1944, Ekel, près d'Oslo) - peintre et graphiste norvégien, l'un des premiers représentants de l'expressionnisme, dont l'image la plus reconnaissable était la peinture "Scream". Son travail est embrassé par les motifs de la mort, la solitude, mais en même temps la soif de vivre.

"Scream" (norvégien. Skrik) - créé entre 1893 et ​​1910, une série de peintures de l'artiste expressionniste norvégien Edward Munch. Ils représentent une figure humaine hurlant de désespoir contre un ciel rouge sang et un fond de paysage extrêmement général. En 1895, Munch crée une lithographie sur le même sujet.

«Scream» en tant qu'emblème de l'expressionnisme sert de prélude à l'art du XXe siècle, préfigurant les thèmes clés du modernisme pour la solitude, le désespoir et l'aliénation. Comme s'il regardait dans le siècle à venir les guerres mondiales, les révolutions et les catastrophes environnementales, l'auteur semble nier la possibilité même de les surmonter ou de les transcender.

Jacques-Louis David, La mort de Marat

Жак-Луи Давид, «Смерть Марата»

Jacques-Louis David (fr. Jacques-Louis David; 30 août 1748, Paris - 29 décembre 1825, Bruxelles) - peintre et enseignant français, un représentant majeur du néoclassicisme français en peinture.

«La mort de Marat» (français: La Mort de Marat) - une peinture de l'artiste français Jacques Louis David, est l'une des peintures les plus célèbres dédiées à la Grande Révolution française.

La photo raconte le sort de Jean Paul Marat, journaliste du journal radical "Friend of the People", le chef des Jacobins. Marat était l'un des partisans les plus ardents de la terreur jacobine. Ayant une maladie de peau, Marat n'a pas quitté son domicile et, pour soulager ses souffrances, a pris des bains. Le 13 juillet 1793, il a été poignardé avec un couteau dans son appartement par une noble Charlotte Corde.

L'inscription sur le piédestal en bois est la dédicace de l'auteur: "MARATU, David". Un dépliant avec le texte était saisi dans la main de Marat: «13 juillet 1793, Marie Anna Charlotte Corde, citoyenne de Marat. Je suis malheureux et j'ai donc droit à votre protection. » En fait, Marat n'a pas eu le temps de recevoir cette note - Korde l'avait déjà tué. Bien que de nombreux chercheurs affirment que l'épisode avec la note a été complètement inventé par l'artiste pour mettre davantage l'accent sur le drame. Sa posture et sa blessure juste en dessous de la clavicule ressemblent à l'image de Jésus, au moment de son retrait de la croix. Le meurtre chaotique et chaotique est soigneusement édité par l'artiste et ressemble au martyre. La position de la main droite ressemble à la figure de Jésus dans le tableau «Enterrement du Christ» (parfois «La position dans le sépulcre»), du Caravage.

Le tableau était extrêmement populaire, il y a plusieurs répétitions des auteurs et artistes de son école ("Mort de Marat. C. 1793. Atelier de David. Musée des Beaux-Arts de Reims", Mort de Marat. C. 1793. Atelier de David. Musée des Beaux-Arts de Dijon, "Jean Paul Marat, tué dans le bain le 13 juillet 1793. J.-M. Langlois du XIXe siècle selon l'ordre de David. Versailles).

Il appréciait le tableau de Baudelaire, selon sa définition, Marat, "est devant nous une tragédie pleine de douleur vive et d'horreur." «Il y a quelque chose de tendre et de douloureux dans l'image; dans l'espace froid de cette pièce, entre ces murs froids, au-dessus d'un bain froid et sinistre, une âme plane.

Actuellement, le tableau est à Bruxelles, dans la collection du Musée Royal des Beaux-Arts.

Vincent Van Gogh, nuit étoilée

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь»

Vincent Willem Van Gogh (néerlandais: Vincent Willem van Gogh; 30 mars 1853, Grot-Sündert, Pays-Bas - 29 juillet 1890, Over-sur-Oise, France) est un peintre postimpressionniste néerlandais dont le travail a eu une influence intemporelle sur la peinture du XXe siècle. Depuis dix ans, il a créé plus de 2100 œuvres, dont environ 860 peintures à l'huile. Parmi eux - portraits, autoportraits, paysages et natures mortes, avec l'image d'oliviers, de cyprès, de champs de blé et de tournesols. La plupart des critiques n'ont pas remarqué Van Gogh avant son suicide à l'âge de 37 ans, qui a été précédé par des années d'anxiété, de pauvreté et de troubles mentaux.

Starry Night (en néerlandais: De sterrennacht) est l'une des peintures les plus célèbres du peintre postimpressionniste néerlandais Vincent Van Gogh. Présente une vue depuis la fenêtre est de la chambre de Van Gogh à Saint-Rémy-de-Provence vers le ciel avant l'aube et un village fictif. Le tableau a été peint en juin 1889; Depuis 1941, conservé au Museum of Modern Art de New York.

Victor Vasnetsov, "Les héros"

Виктор Васнецов, «Богатыри»

Viktor Mikhailovich Vasnetsov (3 mai 1848, village de Lopyal, province de Vyatka - 23 juillet 1926, Moscou) - peintre et architecte russe, maître de la peinture historique et folklorique. Le frère cadet est l'artiste Apollinariy Vasnetsov.

"Athlètes" - une photo de Viktor Vasnetsov. Vasnetsov a travaillé sur l'image pendant une vingtaine d'années. Le 23 avril 1898, il fut achevé et fut bientôt acheté par P. M. Tretyakov pour sa galerie. Inv. 1019.

Jackson Pollock, "n ° 5"

Джексон Поллок, «№ 5»

Paul Jackson Pollock (Ing. Paul Jackson Pollock; 28 janvier 1912 - 11 août 1956) est un artiste américain, idéologue et leader de l'expressionnisme abstrait, qui a eu une influence significative sur l'art de la seconde moitié du 20e siècle.

"N ° 5, 1948" - une peinture de Jackson Pollock, achevée en 1948. L'une des œuvres les plus célèbres dans le style de l'expressionnisme abstrait.

Il est fabriqué selon la technique de pulvérisation caractéristique de Pollock. Une peinture non objective de 243,8 × 121,9 cm de taille écrite sur un panneau de fibres de bois (panneau de fibres de bois). Utilisé principalement des peintures grises, brunes, blanches et jaunes.

Sandro Botticelli, la naissance de Vénus

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры»

Sandro Botticelli (italien: Sandro Botticelli, de son vrai nom Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (italien: Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi; 1er mars 1445 - 17 mai 1510)) - peintre italien de la Renaissance, représentant de l'école florentine de peinture.

La Naissance de Vénus (italien: Nascita di Venere) est une peinture de l'artiste italien de l'école toscane, Sandro Botticelli. Il s'agit d'une peinture à la détrempe sur toile mesurant 172,5 × 278,5 cm. Actuellement, elle est conservée à la Galerie des Offices, Florence.

Andrei Rublev, «Trinité»

Андрей Рублев, «Троица»

Andrei Rublev (vers 1360 - 17 octobre 1428, Moscou) est le peintre d'icônes russe le plus célèbre et le plus vénéré de l'école de Moscou de la peinture d'icônes, du livre et de la peinture monumentale du XVe siècle. Canonisé par l'Église orthodoxe russe sous couvert de saints.

«Trinité» (également «Hospitalité d'Abraham») est l'icône de la Sainte Trinité peinte par Andrei Rublev au XVe siècle, la plus célèbre de ses œuvres et l'une des deux œuvres qui lui sont attribuées (y compris les fresques de Vladimir), dont la paternité, selon les scientifiques, est fiable lui appartient. C'est l'une des icônes russes les plus célèbres.

Vasily Vereshchagin, «L'apothéose de la guerre»

Василий Верещагин, «Апофеоз войны»

Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) - Peintre et écrivain russe, l'un des peintres de bataille les plus célèbres.

"L'apothéose de la guerre" - une photo de l'artiste russe Vasily Vasilyevich Vereshchagin. L'inscription est faite sur le cadre: "Dédié à tous les grands conquérants - passés, présents et futurs."

Jan Vermeer, «Fille avec une boucle d'oreille en perle»

Ян Вермеер, «Девушка с жемчужной сережкой»

Jan Vermeer (Vermeer Delft, néerlandais. Jan Vermeer van Delft ou néerlandais. Johannes Vermeer van Delft, IPA: [ˈjɑn vərˈmeːr]; 1632–1675) - peintre néerlandais, maître de la peinture domestique et du portrait de genre. L'un des adeptes les plus talentueux (avec de Hoch) de Terborch. L'œuvre de Rembrandt, Hals et Vermeer est considérée comme le summum de l'art hollandais de l'âge d'or.

Dans la tradition artistique russe, l'orthographe la plus courante du nom de l'artiste est Vermeer Delftsky. Les autres options sont Johannis van der Mer, Johannis ver Mer, Wermer Delft. Selon les règles de transcription néerlandaises, la combinaison ee est transmise comme e.

«Fille avec une boucle d'oreille en perle» (en néerlandais. Het meisje met de parel) est l'une des peintures les plus célèbres de l'artiste néerlandais Jan Vermeer. Elle est souvent appelée la Joconde du Nord ou des Pays-Bas.

Le tableau est signé par IVMeer, mais non daté. Selon le musée Mauritshuis, où le tableau est actuellement stocké, il a été peint vers 1665. On sait très peu de choses sur elle. On ne sait pas si Vermeer l'a écrit sur commande, qui dans ce cas était le client et le nom de la fille représentée. Selon une version, l'artiste a dépeint sa propre fille, Maria. En tout cas, il est évident qu'il s'agit d'un portrait inhabituel. L'artiste a tenté de capturer le moment où la jeune fille tourne la tête en direction du spectateur vers quelqu'un qu'elle vient de remarquer. Conformément au nom, l'attention du spectateur se concentre sur une boucle d'oreille en perle à l'oreille de la jeune fille. Actuellement, un certain nombre de chercheurs doutent que la photo montre une boucle d'oreille en perle. Pour les perles naturelles, la taille est trop grande, il peut s'agir de fausses perles en verre vénitien ou en nacre. De plus, vous ne pouvez pas voir la boucle ou le pendentif, pour lequel la "perle" est attachée à l'oreille. Le reflet blanc brillant au sommet des «chatons» peut être une déformation lors d'une des restaurations du tableau.

Dans les descriptions modernes de Vermeer, l'image est attribuée à un genre appelé «trônes» en Hollande du 17ème siècle, qui dénotait des images de la tête humaine, et non des portraits à part entière. Lors de la restauration de la peinture en 1994, il a été possible de souligner la grâce de la palette de couleurs et l'attrait du regard de la jeune fille vers le spectateur. Sur les conseils de Victor de Stur, qui pendant de nombreuses années a constamment combattu pour préserver ses peintures rares dans le pays d'origine de l'artiste, A.A. des Tombé a acquis le tableau lors d'une vente aux enchères à La Haye en 1881 pour seulement deux florins et trente cents. L'image était dans un état déplorable. Des Tombé n'a pas d'héritier et il fait don de la «Fille à la boucle d'oreille en perle» ainsi que de plusieurs autres tableaux au Musée Mauritshuis en 1902.

En 1937, une image très similaire est apparue, également attribuée à Vermeer. Le collectionneur Andrew W. Mellon l'a transféré à la National Gallery of Art de Washington. Maintenant, il est considéré comme un faux sous Vermeer, qui au début du 20e siècle a été écrit par le copiste Theo van Weingarden, un ami de Khan van Megeren.

Katsushika Hokusai, "La grande vague de Kanagawa"

Кацусика Хокусай, «Большая волна в Канагаве»

Katsushika Hokusai (japonais 葛 飾 北 斎); 21 octobre 1760, Edo - 10 mai 1849, ibid.) - un artiste japonais bien connu ukiyo-e, illustrateur, graveur de la période Edo. Il a travaillé sous de nombreux alias. Il est l'un des graveurs japonais les plus célèbres de l'Occident, maître de la dernière période de la gravure sur bois japonaise.

Hokusai a utilisé au moins trente pseudonymes tout au long de sa vie. Malgré le fait que l'utilisation de pseudonymes était une pratique courante chez les artistes japonais de cette époque, en termes de nombre de pseudonymes, elle est nettement supérieure à d'autres auteurs bien connus. Les pseudonymes de Hokusai sont souvent utilisés pour périodiser les étapes de son travail.

«La grande vague de Kanagawa» (hur 沖浪 裏 hourra nami Kanagawa-oki) - gravure sur bois de l'artiste japonais Katsushiki Hokusai. Le premier travail de la série "Trente-six vues de Fuji". La peinture est réalisée dans le style de l'ukiyo-e. Il est considéré comme l'une des œuvres d'art japonais les plus célèbres et les plus populaires en dehors du Japon lui-même. Certains pensent qu'en Occident, cette gravure est mieux connue que toute autre œuvre d'art asiatique en général.

Au centre de l'intrigue, au premier plan, se trouve une énorme vague suspendue au-dessus du bateau; Mont Fuji au centre de l'arrière-plan. L'action se déroule dans la préfecture de Kanagawa.

Karl Bryullov, «Le dernier jour de Pompéi»

Карл Брюллов, «Последний день Помпеи»

Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov) (jusqu'en 1822 - Bryullo; 12 décembre 1799, Saint-Pétersbourg, Russie - 11 juin 1852, Manziana, région papale) - artiste russe, peintre, peintre monumental, aquarelliste, représentant du classicisme et du romantisme.

«Le dernier jour de Pompéi» est une peinture grand format de l'artiste russe Karl Bryullov (1799-1852), dont les travaux ont été achevés en 1833. Il est conservé au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg (inv. Zh-5084). Taille - 456,5 × 651 cm La photo représente les événements de Pompéi [K 1] pendant l'éruption catastrophique du Vésuve, qui s'est produite en 79 après JC.

Karl Bryullov a visité les fouilles de Pompéi au cours de l'été 1827 lors de son voyage à Naples, où il a également eu l'idée d'écrire une grande toile dédiée à la mort de Pompéi. Le client de la toile était le prince Anatoly Demidov. En général, le travail sur la peinture a duré environ six ans - de 1827, lorsque Bryullov a créé les premiers croquis et croquis, jusqu'en 1833. La version finale de la grande toile multi-figurée a été créée en 1830-1833.

Après avoir terminé le travail sur la peinture, Karl Bryullov a commencé à la montrer dans son atelier à Rome. La popularité du dernier jour de Pompéi et de son auteur s’accroît rapidement: l’écrivain Nikolai Rozhalin rapporte qu’à Rome «l’incident le plus important a été l’exposition de la peinture de Bryullov dans son atelier», «toute la ville a afflué pour l’émerveiller.» De Rome, la toile a été transportée à Milan, où elle a été exposée à l'exposition d'art de Milan de 1833. Inspiré par le succès de la peinture en Italie, son propriétaire Anatoly Demidov a réalisé l'inclusion de la création dans l'exposition du Salon de Paris, qui a ouvert ses portes en mars 1834, où le travail de Bryullov a reçu une grande médaille d'or.

À l'été 1834, le tableau «Le dernier jour de Pompéi» est envoyé de France à Saint-Pétersbourg, où Demidov le présente à l'empereur Nicolas Ier. En août 1834, le tableau est placé à l'Hermitage et, fin septembre de la même année, la toile est déplacée dans une salle séparée de l'Académie des arts pour tous. La peinture a été un énorme succès, le poète Alexandre Pouchkine a consacré son poème «Vésuve le Pharynx», et l'écrivain Nikolai Gogol a écrit un article dans lequel il a appelé «Le dernier jour de Pompéi» l'un des phénomènes les plus brillants du 19e siècle et «la résurrection lumineuse de la peinture, qui avait été dans la ville depuis longtemps un état semi-léthargique. " En 1851, le tableau est entré dans le nouvel ermitage et en 1897, il a été transféré à la collection du Musée russe de l'empereur Alexandre III (aujourd'hui Musée d'État russe), qui était en cours de création à cette époque.

La critique d'art Alla Vereshchagina a noté que l'intrigue du tableau «Le dernier jour de Pompéi» «était inouïe dans la pratique de la peinture historique classique». L'artiste n'a pas montré l'acte héroïque d'un héros, mais une catastrophe naturelle qui a touché de nombreuses personnes, «pour la première fois le peuple est entré dans la peinture historique russe». Selon la critique d'art Svetlana Stepanova, l'œuvre de Bryullov est devenue "non seulement l'une des prochaines réalisations de l'école nationale, mais un phénomène qui a accéléré l'évolution de l'art".

James Whistler, «Arrangement en gris et noir. Mère de l'artiste "

Джеймс Уистлер, «Аранжировка в сером и черном. Мать художника»

James Abbot McNeill Whistler (anglais James Abbot McNeill Whistler, parfois McNill, 11 juillet 1834, Lowell, Massachusetts, États-Unis - 17 juillet 1903, Londres, Royaume-Uni) - artiste américain, maître de la peinture de portraits, ainsi que de la gravure et de la lithographie. L'un des tonalistes célèbres - les précurseurs de l'impressionnisme et du symbolisme. Adhérent au concept de «l'art pour l'art». Officier de la Légion d'honneur (1892).

Il a étudié dans l'Empire russe et aux États-Unis, mais a passé la majeure partie de sa vie active en Angleterre. Plus célèbre pour les portraits de ses contemporains. Il a été influencé par les réalistes en la personne de son ami Gustav Courbet et les préraphaélites, ainsi que par l'art japonais. Dans un certain nombre de méthodes créatives, il était proche de l'impressionnisme. L'une des œuvres les plus célèbres de Whistler est un portrait de sa mère: «Arrangement en gris et noir. Mère de l'artiste. ” Il a influencé deux générations d'artistes, en Europe et aux États-Unis. Il était ami avec Dante Rossetti, Eduard Manet, Claude Monet, Aubrey Beardsley, les poètes Stefan Mallarm et Oscar Wilde.

«Arrangement en gris et noir, n ° 1: Portrait de la mère de l'artiste» (Arrangement en anglais en gris et noir, n ° 1: Portrait de la mère de l'artiste; souvent appelé la mère de Whistler) - la peinture la plus célèbre de l'artiste américain James Whistler, écrite en 1871 année. Le tableau représente Anna Whistler (1804–1881), la mère de l'artiste. Il est conservé au Musée d'Orsay à Paris, France. La taille de l'image est de 144,3 × 162,4 cm.

Claude Monet, «Impression. Le soleil levant

Клод Моне, «Впечатление. Восходящее солнце»

Oscar Claude Monet (Oscar-Claude Monet français; 14 février 1840, Paris, France - 5 décembre 1926, Giverny, France) - peintre français, l'un des fondateurs de l'impressionnisme.

«Impression. Le soleil levant »(Fr. Impression, soleil levant) - un tableau de Claude Monet, peint en 1872 d'après nature dans le vieux port du Havre et donnant le nom à la direction artistique« Impressionnisme ».

La toile a été exposée pour la première fois lors de l'exposition en 1874 dans l'ancien atelier du photographe Nadar. Avec la main légère du journaliste Louis Leroy, le nom de l'œuvre est devenu le nom de la direction dont les représentants ont participé à cette exposition. Dans son article «Exposition des impressionnistes» (1874, le journal Le Charivari), Leroy écrivait: «Papier peint, et ils auraient paru plus complets que cette« Impression »!».

La toile a été exposée au Musée de la Marmotte de Paris, d'où elle a été volée en 1985 avec d'autres œuvres de l'artiste, ainsi que des peintures d'Auguste Renoir et Berthe Morisot. La toile n'a été découverte que cinq ans plus tard, en 1991 elle a de nouveau pris sa place dans l'exposition.

Ilya Repin, "Transporteurs de barges sur la Volga"

Илья Репин, «Бурлаки на Волге»

Ilya Efimovich Repin (dore russe. Ilya Efimovich Rѣpin, 24 juillet [5 août 1844, Tchuguev, Empire russe - 29 septembre 1930, Kuokkala, Finlande) - peintre russe, enseignant, professeur, membre à part entière de l'Académie impériale des arts.

Dès le début de sa carrière, à partir des années 1870, Repin est devenu l'une des figures clés du réalisme russe. L'artiste a réussi à résoudre le problème de refléter toute la diversité de la vie dans une peinture, dans son travail, il a pu couvrir tous les aspects de la modernité, aborder des sujets qui concernent le public, a réagi vivement à la dépit de la journée. La plasticité était caractéristique du langage artistique de Repin; elle percevait diverses tendances stylistiques de l'espagnol et du néerlandais du XVIIe siècle à Alexander Ivanov et aux impressionnistes français modernes.

"Barge Haulers on the Volga" est une peinture de l'artiste russe Ilya Repin, créée en 1870-1873. Représente un artel de transporteurs de barges pendant le travail.

La peinture a des dimensions de 131,5 × 281 cm et se trouve au Musée russe de Saint-Pétersbourg.

Valentin Serov, «Fille aux pêches»

Валентин Серов, «Девочка с персиками»

Valentin Aleksandrovich Serov (7 janvier 1865, Saint-Pétersbourg - 22 novembre [5 décembre 1911, Moscou) - peintre et graphiste russe, portraitiste, académicien de l'Académie impériale des arts.

«Fille aux pêches» - une image du peintre russe Valentin Serov, peinte en 1887, est conservée dans la galerie nationale Tretiakov.

Pablo Picasso, «Fille sur le ballon»

Пабло Пикассо, «Девочка на шаре»

Pablo Ruiz y Picasso, nom complet - Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Sipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz et Picasso (la version russe met également l'accent sur le style français de Picasso, l'espagnol Pablo Die José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25 octobre 1881, Malaga, Espagne - 8 avril 1973, Mougins, France) - artiste espagnol et français, sculpteur, graphiste, artiste de théâtre, céramiste et designer.

Le fondateur du cubisme (avec Georges Braque et Juan Gris), dans lequel le corps tridimensionnel à la manière originale était représenté comme une série d'avions combinés. Picasso a beaucoup travaillé en tant que graphiste, sculpteur, céramiste, etc. Il a donné vie à de nombreux imitateurs et a eu un impact exceptionnel sur le développement des beaux-arts au XXe siècle. Selon le Museum of Modern Art (New York), Picasso a créé environ 20 000 œuvres dans sa vie.

Selon des estimations d'experts, Picasso est l'artiste le plus «cher» du monde: en 2008, le volume des ventes officielles de ses œuvres s'élevait à 262 millions de dollars. Le tableau de "Les femmes algériennes" de Picasso, vendu au printemps 2015 à New York pour 179 millions de dollars, est devenu le tableau le plus cher jamais vendu aux enchères.

Selon un sondage auprès de 1,4 million de lecteurs réalisé par The Times en 2009, Picasso est le meilleur artiste parmi ceux qui ont vécu au cours des 100 dernières années. En outre, ses toiles occupent la première place en termes de "popularité" parmi les ravisseurs.

«Fille sur le ballon» - une photo de Pablo Picasso, écrite en 1905. Une grande œuvre de la période «rose» dans l'œuvre de l'artiste.

En 1913, il a été acquis à Paris par I. A. Morozov. La peinture a été nationalisée après la révolution et s'est retrouvée au Musée d'État de la nouvelle peinture occidentale (GMNZI), où, après sa dissolution en 1948, elle a été transférée à la collection du Musée d'État des beaux-arts A. Pouchkine.

Henri Matisse, «Danse»

Анри Матисс, «Танец»

Henri Émile Benoît Matisse (français: Henri Émile Benoît Matisse; 31 décembre 1869, Le Cato-Cambresi, France - 3 novembre 1954, Nice, France) - peintre et sculpteur français, chef du mouvement fauve. Connu pour ses recherches sur la transmission des émotions à travers la couleur et la forme.

«Dance» (français: La Danse) - créé en 1910 par un artiste français Henri Matisse. Il existe en deux versions: la première se trouve au Museum of Modern Art de New York, la seconde et la plus célèbre se trouve à l'Hermitage de Saint-Pétersbourg.

Kazimir Malevich, «Blanc sur blanc»

Казимир Малевич, «Белое на белом»

Kazimir Severinovich Malevich (polonais. Kazimierz Malewicz; 11 février 1879, Kiev - 15 mai 1935, Leningrad) - Artiste d'avant-garde russe et soviétique d'origine polonaise, enseignant, théoricien de l'art, philosophe. Le fondateur du suprématisme - l'un des plus grands domaines de l'art abstrait.

«Blanc sur blanc» («Carré blanc», «Carré blanc sur fond blanc») - une peinture peinte en 1918 par Kazimir Malevitch appartient à la direction de la peinture russe non objective, que Malevitch appelait le suprématisme. Le carré blanc était l'un des trois carrés suprématistes de Malevitch, les deux autres - noir et rouge.

Michelangelo Buonarroti, La création d'Adam

Микеланджело Буонарроти, «Сотворение Адама»

Michelangelo Buonarroti, nom complet Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni (italien: Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni; 6 mars 1475, Caprese - 18 février 1564, Rome) [⇨] - sculpteur, artiste, architecte italien [⇨] , poète [⇨] et penseur [⇨]. L'un des plus grands maîtres de la Renaissance [⇨] et du début du baroque. Ses œuvres ont été considérées comme les plus hautes réalisations de l'art de la Renaissance au cours de la vie du maître lui-même. Michel-Ange a vécu pendant près de 89 ans, toute une époque, de la période de la Haute Renaissance aux origines de la Contre-Réforme. Pendant cette période, treize papes ont été remplacés - il a exécuté des commandes pour neuf d'entre eux. De nombreux documents sur sa vie et son œuvre ont été conservés - témoignages de contemporains, lettres de Michel-Ange lui-même, contrats, ses archives personnelles et professionnelles. Michel-Ange a également été le premier représentant de l'art d'Europe occidentale, dont la biographie a été imprimée de son vivant.

Parmi ses œuvres sculpturales les plus célèbres figurent «David», «Bacchus», «Pieta», des statues de Moïse, Léa et Rachel pour le tombeau du pape Jules II. Giorgio Vasari, premier biographe officiel de Michel-Ange, a écrit que «David» «a emporté la gloire de toutes les statues, modernes et antiques, grecques et romaines». L'une des œuvres les plus monumentales de l'artiste est les fresques au plafond de la chapelle Sixtine, à propos desquelles Goethe a écrit: "Sans voir la chapelle Sixtine, il est difficile d'imaginer une représentation visuelle de ce qu'une personne peut faire." Parmi ses réalisations architecturales - le projet de la coupole de la basilique Saint-Pierre, les escaliers de la bibliothèque Laurenzian, la place Campidoglio et d'autres. Les chercheurs pensent que l'art de Michel-Ange commence et se termine avec l'image du corps humain.

La création d'Adam (italien: La creazione di Adamo) est une fresque de Michel-Ange peinte vers 1511.

Caravage, "La décapitation de Jean-Baptiste"

Караваджо, «Обезглавливание Иоанна Крестителя»

Michelangelo Merisi da Caravaggio (italien: Michelangelo Merisi da Caravaggio; 29 septembre 1571, Milan - 18 juillet 1610, Porto Ercole [it]) - artiste italien, réformateur de la peinture européenne du XVIIe siècle, fondateur du réalisme de la peinture, l'un des plus grands maîtres du baroque. L'un des premiers à appliquer le style d'écriture clair-obscur - un contraste net entre la lumière et l'ombre. Pas un seul dessin ou croquis n'a été trouvé, l'artiste a immédiatement réalisé ses compositions complexes sur toile.

"La décapitation de Jean-Baptiste" - une peinture de l'artiste italien Caravage, peinte en 1608 à Malte. La seule photo connue pour le moment avec sa signature.

Jean-Honoré Fragonard, "Swing"

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели»

Jean-Honoré Fragonard (Français: Jean-Honoré Fragonard; 5 avril 1732, Grass - 22 août 1806, Paris) - peintre et graveur français. Il a travaillé dans le style rococo. Il a créé plus de 550 tableaux (hors dessins et gravures).

"Swing" - une image du peintre français Jean Honoré Fragonard, peinte vers 1767. L'œuvre la plus célèbre de l'artiste, considérée comme l'un des chefs-d'œuvre de l'époque rococo.

La photo montre un jeune homme regardant derrière les buissons une jeune femme sur une balançoire, qui est bercée par un homme âgé qui ne remarque pas de ventilateur caché. Au moment où elle est capturée sur la photo, la jeune fille, étant au sommet de la balançoire, permet à la cavalière réussie de découvrir les secrets de sa robe, bien qu'une telle générosité entraîne la perte de la chaussure s'envolant dans la statue d'Harpocrate - l'ancien dieu grec du silence et des secrets. Shapo Berger (chapeau de berger) sur la tête de la fille renforce le sens ironique-frivole de l'image, car à cette époque, ces chapeaux étaient associés à la noblesse gracieuse des habitants des domaines ruraux, familiers de la nature et préservés des tentations de la ville.

Selon les mémoires du dramaturge Charles Colle, la cour anonyme de Louis XV a commandé ce tableau à Gabriel-François Doyen comme un portrait de sa maîtresse et de lui-même, et selon l'idée originale, l'évêque devrait balancer la balançoire. Ne s'aventurant pas à entreprendre un travail aussi frivole, Doyen a transféré l'ordre à Fragonard, qui a cependant peint le tableau, remplaçant l'évêque par un profane.

L'identité du premier propriétaire du tableau reste incertaine, bien qu'il ait été suggéré qu'il pourrait s'agir de Marie-François-David Boyu de Saint-Julien, mieux connue sous le nom de Baron de Saint-Julien (1713-1788). Le premier propriétaire fiable était le collecteur d'impôts M.—F. Ménage de Pressigny, après sa mort en 1794, le tableau est devenu la propriété du gouvernement révolutionnaire de France. Par la suite, le tableau a peut-être appartenu au marquis de Racin de Saint-Mar et Charles de Morny est devenu le prochain propriétaire incontesté. Après la mort de de Morney en 1865, le tableau a été acheté aux enchères à Paris par Richard Seymour-Conway, la quatrième marquise de Hartward, l'un des fondateurs de l'Assemblée Wallace à Londres, où le tableau est conservé à ce jour.

Gustave Courbet, Désespoir. Autoportrait »

Гюстав Курбе, «Отчаяние. Автопортрет»

Jean Desire Gustave Courbet (Français: Jean Désiré Gustave Courbet; 10 juin 1819, Ornant - 31 décembre 1877, La Tour de Pels, Vaud, Suisse) - peintre français, peintre paysagiste, peintre de genre et portraitiste. Il est considéré comme l'un des finalistes du romantisme et les fondateurs du réalisme en peinture. L'un des plus grands artistes de France tout au long du XIXe siècle, figure incontournable du réalisme français.

Karl Bryullov, la cavalière

Карл Брюллов, «Всадница»

Karl Pavlovich Bryullov (Bryulov) (jusqu'en 1822 - Bryullo; 12 décembre 1799, Saint-Pétersbourg, Russie - 11 juin 1852, Manziana, région papale) - artiste russe, peintre, peintre monumental, aquarelliste, représentant du classicisme et du romantisme.

"La cavalière" - une photo de l'artiste russe Karl Bryullov, peinte en 1832.

Pierre-Auguste Renoir, Petit déjeuner des rameurs

Пьер Огюст Ренуар, «Завтрак гребцов»

Pierre-Auguste Renoir (fr. Pierre-Auguste Renoir [pjɛʁ oɡyst ʁənwaʁ]; 25 février 1841, Limoges - 3 décembre 1919, Cagnes-sur-Mer) - peintre, graphiste et sculpteur français, l'un des principaux représentants de l'impressionnisme. Connu principalement comme un maître du portrait profane, non sans sentimentalité. Renoir a été le premier des impressionnistes à réussir parmi les riches parisiens. Au milieu des années 1880 en fait, il rompt avec l'impressionnisme, revenant à la linéarité du classicisme, à «l'engisme». Le père du célèbre réalisateur Jean Renoir.

«Rowers 'Breakfast» (French Le Déjeuner des canotiers, English Luncheon of the Boating Party) est une peinture de l'artiste français Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), écrite en 1880-1881.

Marc Chagall, «Au-dessus de la ville»

Марк Шагал, «Над городом»

Mark Zakharovich (Moses Khatskelevich) Chagall (fr. Marc Chagall, yiddish מאַרק שאַגאַל; 6 juillet ou 7 juillet 1887, Vitebsk, province de Vitebsk, Empire russe (actuelle région de Vitebsk, Bélarus) - 28 mars 1985, Saint-Paul- de Vence, Provence, France) - Artiste russe et français d'origine juive. En plus du graphisme et de la peinture, il était également engagé dans la scénographie et écrivait des poèmes en yiddish. L'un des représentants les plus célèbres de l'avant-garde artistique du XXe siècle.

Peter Brueghel, Proverbes flamands

Питер Брейгель, «Фламандские пословицы»

Peter Brueghel (Jeune) (Néerlandais Pieter Bruegel de Jonge, MAE: [ˈpitər ˈbrøːɣəl]; 1564/65 Bruxelles - 10 octobre [source non spécifiée 757 jours] 1636 Anvers, surnommé «Hell») - peintre néerlandais (flamand).

Pablo Picasso, "Guernica"

Пабло Пикассо, «Герника»

Pablo Ruiz y Picasso, nom complet - Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Sipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz et Picasso (la version russe met également l'accent sur le style français de Picasso, l'espagnol Pablo Die José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25 octobre 1881, Malaga, Espagne - 8 avril 1973, Mougins, France) - artiste espagnol et français, sculpteur, graphiste, artiste de théâtre, céramiste et designer.

«Gernika» (espagnol: Guernica) - une peinture de Pablo Picasso, peinte en mai 1937 sur ordre du gouvernement de la République espagnole pour le pavillon espagnol à l'Exposition universelle de Paris. Le thème du tableau, exécuté à la manière du cubisme et en noir et blanc, est le bombardement de Guernica, survenu peu de temps avant, ainsi que l'horreur de la révolution espagnole d'avril (1931) et de la guerre civile en Espagne (1936-1939).

Après l'exposition, la toile a été exposée dans plusieurs pays (principalement aux États-Unis). Picasso lui-même a déclaré qu'il aimerait la voir au Musée du Prado, mais seulement après la restauration de la république en Espagne. Le tableau a été placé au Prado en 1981, et en 1992 a été transporté avec d'autres œuvres d'art du XXe siècle au musée Reina Sofia de Madrid, où il est toujours conservé.

Gustav Klimt, le baiser

Густав Климт, «Поцелуй»

Gustav Klimt (allemand: Gustav Klimt; 14 juillet 1862, Baumgarten, Empire autrichien - 6 février 1918, Vienne, Autriche-Hongrie) - un artiste autrichien bien connu, fondateur de l'Art nouveau dans la peinture autrichienne. Le sujet principal de sa peinture était un corps féminin, et la plupart de ses œuvres se distinguent par un érotisme pur et simple.

«Kiss» (allemand: Der Kuß) est une peinture de l'artiste autrichien Gustav Klimt, écrite en 1907-1908.

Peter Paul Rubens, «L'enlèvement des filles de Leucippus»

Питер Пауль Рубенс, «Похищение дочерей Левкиппа»

Peter Paul Rubens (néerlandais: Pieter Paul Rubens, MAE: [ˈpitər 'pʌul' rybə (n) s); 28 juin 1577, Siegen - 30 mai 1640, Anvers) - peintre néerlandais (flamand), l'un des fondateurs de l'art baroque, diplomate collectionneur. L'héritage créatif de Rubens comprend environ 3 000 peintures, dont une partie importante a été réalisée en collaboration avec des étudiants et des collègues, dont le plus important était Anthony van Dyck. Selon le catalogue de M. Jaffe, il existe 1403 toiles authentiques. Une importante correspondance Rubens, principalement diplomatique, a été conservée. Il a été élevé à la noble dignité par le roi d'Espagne Philippe IV (1624) et a obtenu la chevalerie du roi anglais Charles I (1630) avec l'inclusion du lion héraldique dans ses armoiries personnelles. Avec l'acquisition en 1635 du château de Steen à Eleutheit, Rubens reçoit le titre de seigneur.

Le travail de Rubens est une fusion organique des traditions du réalisme Bruegel avec les réalisations de l'école vénitienne. Rubens s'est spécialisé dans la peinture religieuse (y compris les images d'autel), peint des peintures sur des sujets mythologiques et allégoriques, des portraits (il a abandonné ce genre dans les dernières années de sa vie), des paysages et des toiles historiques, et a également réalisé des croquis de treillis et d'illustrations de livres. Dans la technique de la peinture à l'huile, Rubens a été l'un des derniers artistes à utiliser des panneaux de bois pour des travaux de chevalet, même très grands.

«L'enlèvement des filles de Leucippus» est une peinture de Peter Paul Rubens.

Dans cette image, Rubens a utilisé le mythe des frères Dioscuri, les fils de Zeus et Leda, Castor et Pollux, qui avaient enlevé les filles du roi Leucippus - Gilair et Phoebe. Dans cette histoire, Rubens a été emporté par le moment très dramatique de l'enlèvement, qui offre de riches opportunités pour des décisions plastiques.

Avec des bras forts et musclés, les jeunes hommes attrapent des femmes nues pour les mettre à cheval. Désespérées et effrayées, les filles du roi tournent leurs yeux vers le ciel, comme si elles cherchaient le salut des dieux. De petits cupidons amusants étaient accrochés au cou des chevaux montés. Les huit personnages sont habilement inscrits dans un cercle, qui à son tour est magnifiquement situé dans un champ presque carré. L'horizon bas vous permet de lire clairement la silhouette complexe et fantaisiste du groupe. Il est construit sur les contrastes des mouvements et des taches de couleur. Les corps légers et tendres de femmes nues aux cheveux d'or sont habilement comparés à des figures bronzées et fortes d'hommes sombres. Les tissus rouges, dorés, blancs et vert foncé améliorent l'effet décoratif de la composition des couleurs. La complexité apparente du groupe est conçue pour donner une impression de tension dans la situation, mais en même temps, la construction a la réflexion logique la plus stricte. La boule de corps a trois points d'appui, fixés dans le pied attenant du cheval, au point d'appui de la jambe droite de Dioscur et au point d'appui de sa jambe gauche, qui, pour ainsi dire, est repoussé par le bras de Leucippida. De plus, ces points d'appui sont situés à des distances différentes du spectateur, contribuant ainsi à l'orientation spatiale du groupe. On peut sentir l'extraordinaire enthousiasme du grand artiste pour trouver différents angles, révélant la richesse des états plastiques du corps humain, dans lesquels il ne peut guère avoir de nombreux rivaux. Le mouvement dans la compréhension de Rubens porte à la fois une impulsion émotionnelle et une signification situationnelle ou intrigue. Mais dans cela et dans l'autre cas, à partir de la réalité, il acquiert une certaine convention artistique, obéissant aux lois de l'organisation artistique des formes sur le plan. Rubens a cherché à transmettre le caractère décoratif de la composition, à se délecter de la beauté diverse des lignes et des formes dans leur entrelacement, interpénétration et juxtaposition. Rubens a doté ses héros courageux et audacieux de la beauté d'une jeunesse saine, de dextérité, de force et d'une soif de vie bouillonnante.

Paul Gauguin «D'où venons-nous? Qui sommes nous Où allons-nous? "

Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

Eugène Henri Paul Gauguin (fr. Eugène Henri Paul Gauguin [øˈʒɛn ãˈʁi ˌpol ɡoˈɡɛ̃]; 7 juin 1848 - 8 mai 1903) - peintre, sculpteur et céramiste et graphiste français. Avec Cézanne et Van Gogh, il était le plus grand représentant du post-impressionnisme. Au début des années 1870, il commence à peindre en amateur. La première période de créativité est associée à l'impressionnisme. Depuis 1880, a participé à des expositions des impressionnistes. Depuis 1883, artiste professionnel. Les œuvres de Gauguin n'ont pas trouvé de demande de son vivant, l'artiste était pauvre. La peinture de Gauguin "Quand est le mariage?" - l'une des peintures les plus chères vendues.

"D'où venons-nous?" Qui sommes nous Où allons-nous? " (1897–1898; FR. D'où venons nous? Que sommes-nous? Où allons-nous?) Est l'une des peintures les plus célèbres de Paul Gauguin. Créé à Tahiti, il se trouve actuellement au Museum of Fine Arts de Boston, Massachusetts, USA.

William Blake, le grand architecte

Уильям Блейк, «Великий архитектор»

William Blake (ing. William Blake; 28 novembre 1757, Londres - 12 août 1827, Londres) - poète, artiste et graveur anglais. Presque méconnu de son vivant, Blake est aujourd'hui considéré comme une figure importante de l'histoire de la poésie et des beaux-arts de l'ère romantique. Il a vécu toute sa vie à Londres (à l'exception de trois ans à Felfam).

Bien que ses contemporains aient considéré Blake comme un fou, les critiques ultérieurs ont noté son expressivité et la profondeur philosophique et mystique de son travail. Ses peintures et poèmes ont été décrits comme romantiques ou pré-romantiques. Adepte de la Bible, mais adversaire de l'Église d'Angleterre (ainsi que de toutes les formes de religion organisée), Blake a été influencé par les idéaux des révolutions française et américaine. Bien qu'il soit plus tard désillusionné par nombre de ces convictions politiques, il entretient des relations amicales avec le militant politique Thomas Payne; également influencé par le philosophe Emanuel Swedenborg. Malgré toutes les influences, le travail de Blake est difficile à classer sans ambiguïté. L'écrivain du XIXe siècle, William Rossetti, l'appelait «le glorieux luminaire» et «un homme ni anticipé par ses prédécesseurs, ni classé par ses contemporains, ni remplacé par des successeurs célèbres ou présumés».

"L'ancien des jours" (Eng. L'ancien des jours) - gravure de l'artiste et poète anglais William Blake.

Le titre de l'ouvrage «The Ancient of Days» en anglais signifie «The Ancient of Days» - c'est l'un des noms (épithètes) de Dieu dans l'Ancien Testament, mentionné dans le livre du prophète Daniel (en araméen: Atik Yomin).

Le deuxième nom de la gravure ("Le Grand Architecte") fait référence au nom accepté en franc-maçonnerie comme l'entité la plus élevée ou Dieu (Le Grand Architecte de l'Univers)

Le personnage principal de la gravure est Dieu au moment de la création. Blake lui donne le nom d'Urizen (du mot raison - raison).

Titien, «Amour terrestre et amour céleste»

Тициан, «Любовь земная и Любовь небесная»

Titian Vecellio (italien: Tiziano Vecellio, 1488/1490, Pieve di Cadore - 27 août 1576, Venise) - peintre italien, le plus grand représentant de l'école vénitienne de la haute et de la fin de la Renaissance. Le nom de Titien est comparable à celui d'artistes de la Renaissance tels que Michel-Ange, Léonard de Vinci et Rafael. Titien a peint sur des sujets bibliques et mythologiques, et il est devenu célèbre en tant que portraitiste. Les rois et les papes, les cardinaux, les ducs et les princes lui ont donné des ordres. Titien n'avait même pas trente ans lorsqu'il a été reconnu comme le meilleur peintre de Venise.

À son lieu de naissance (Pieve di Cadore dans la province de Belluno, République vénitienne), il est parfois appelé da Cadore; également connu sous le nom de Titian Divine.

«Amour céleste et amour terrestre» (italien: Amor sacro e Amor profano; c. 1514) - peinture de l'artiste Titien.

Giuseppe Arcimboldo, «Portrait de l'empereur Rodolphe II à l'image de Vertumna»

Джузеппе Арчимбольдо, «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна»

Giuseppe Arcimboldo (italien: Giuseppe Arcimboldo; 1526 ou 1527, Milan - 11 juillet 1593, ibid.) - Peintre, décorateur italien, généralement classé parmi les représentants du maniérisme. Dans son travail, certains critiques et artistes du 20e siècle ont vu l'anticipation du surréalisme.

Giuseppe Arcimboldo est né dans la famille d'un artiste milanais; Dès son jeune âge, il a aidé son père à créer des peintures murales d'église, et s'est également spécialisé dans la réalisation de croquis de tapisseries et de vitraux. Ayant atteint la renommée et l'autorité, en 1562, il a été invité à la cour du Saint-empereur romain Maximilien II à Vienne, puis a été son successeur Rudolph II à Prague. En plus de remplir les fonctions de peintre de cour et de décorateur, il a supervisé l'acquisition d'œuvres d'art, organisé des vacances et mené des travaux d'ingénierie. Une vingtaine d'œuvres d'Archimboldo de cette période ont été conservées - portraits officiels et peintures spécifiques, réalisées sous la forme d'une combinaison inhabituelle d'objets, de plantes et d'animaux; peut-être, le Kunstkamera de la cour, qui était supervisé par le peintre, a influencé l'originalité du style. Ce style a été encouragé par les empereurs-clients et a même servi de modèle. L'empereur Rudolph II en 1580 a accordé à Archimboldo la noblesse. Après avoir servi à la cour des Habsbourg pendant environ 25 ans, en 1587, l'artiste se retire et revient à Milan, mais continue de créer des œuvres dans le style de son choix, qu'il envoie à Prague. Pour "Portrait de Rudolph II à l'image de Vertumn", l'artiste obtient le titre honorifique du Palatinat. Après sa mort, son style et ses expériences formelles ont été oubliés et un nouvel intérêt pour le patrimoine d'Arcimboldo a éclaté dans les années 1930. Depuis lors, il est considéré comme un classique de la peinture européenne, dans une certaine mesure, élargissant les frontières de la forme et du contenu.

"Portrait de l'empereur Rodolphe II à l'image de Vertumna" (italien: L'imperatore Rodolfo II in veste di Vertumno) - une peinture de l'artiste-maniériste italien Giuseppe Archimboldo, peinte vers 1590.

En 1562, Arcimboldo est invité à la cour du Saint empereur romain Maximilien II à Vienne, puis sert son successeur Rudolph II à Prague. Après avoir servi à la cour des Habsbourg pendant environ 25 ans, en 1587, l'artiste se retire et revient à Milan, mais continue de créer des œuvres dans le style de son choix, qu'il envoie à Prague. Pour "Portrait de Rudolph II à l'image de Vertumn", l'artiste obtient le titre honorifique du Palatinat.

Ce portrait représente l'empereur à l'image du dieu des saisons et des fruits terrestres de Vertumna, qui était connu dans l'Italie antique. Wertumn était le dieu de la transformation, de l'abondance naturelle. Dans les temps anciens, il était représenté principalement sous la forme d'un jardinier avec un couteau de jardin et des fruits. Sur cette photo, le portrait de l'empereur est composé d'une variété de fruits et légumes, qui personnifient la végétation et les dons de la nature des quatre saisons. Gregorio Comanini, un ami de l'artiste, poète et historien, a décrit cette image: «Les yeux sur son visage sont les étoiles de l'Olympe, sa poitrine est de l'air, son ventre est de la terre, ses jambes sont des abîmes. Ses vêtements sont des fruits et de l'herbe ... »

Cette peinture est actuellement exposée au château de Skukkloster à Stockholm.

Kuzma Petrov-Vodkin, «Baigner le cheval rouge»

Кузьма Петров-Водкин, «Купание красного коня»

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (24 octobre [5 novembre] 1878, Khvalynsk, province de Saratov, Empire russe - 15 février 1939, Leningrad, URSS) - peintre russe et soviétique, graphiste, graphiste, théoricien de l'art, écrivain et enseignant, artiste émérite de la RSFSR ( 1930).

«Baigner le cheval rouge» est un célèbre tableau de l'artiste Kuzma Petrov-Vodkin. Il a été écrit en 1912, est devenu un point de repère pour l'artiste et lui a valu une renommée mondiale.

Vasily Kandinsky, «Composition VII»

Василий Кандинский, «Композиция VII»

Vasily Vasilievich Kandinsky (4 (16 décembre), 1866, Moscou - 13 décembre 1944, Neuilly-sur-Seine, France) - Artiste et théoricien russe des beaux-arts, aux origines de l'art abstrait. L'un des fondateurs du groupe Blue Horseman. Oncle du philosophe Alexander Kozhevnikov.

Bien sûr, ce n'est pas une liste complète des œuvres de génies, et il n'est pas surprenant que nous ayons accidentellement manqué votre auteur préféré. Même les chefs-d'œuvre du monde ne sont pas du goût de tout le monde, sans parler des peintres individuels plutôt originaux. Mais certains artistes cachent également des messages dans leurs œuvres, si vous les trouvez, écrivez à ce sujet dans les commentaires, merci.

Via ofigenno.com et wiki